El cielo abierto

Dirección: Miguel Albaladejo.
Guión: Elvira Lindo y Miguel Albaladejo.
Interpretación: Sergi López, Mariola Fuentes, María José Alfonso, Geli Albaladejo, Emilio Gutiérrez Caba.
Puntuación: 7/10
Género: Comedia
Países: España
Duración: 102 min
Año: 2001

El cielo abierto es una comedia romántica. No viene mal de vez en cuando variar un poco la temática de todas mis pelis.

La elección de esta peli tiene que ver con su protagonista: Sergi López.
Conocí a este actor en el año 2000, cuando interpretó a un psicópata en la brillante Harry, un amigo que te quiere bien, una obra de suspenso con toques hitchcocknianos, que tensiona al espectador de principio a fin, utilizando diálogos y generando situaciones, en lugar de valerse de efectos especiales maravillosos e historias increíbles.
Luego vi a este actor catalán (a propósito, ha hecho manifiesto su apoyo al independentismo catalán) con un papel importante en El laberinto del Fauno de Guillermo del Toro, donde interpretó al capitán Vidal, un cruel combatiente de los últimos vestigios de La Republica, en el fin de la guerra civil española. Hace poco leí la noticia sobre su portagónico en la última peli de François Ozon, Ricky.
Así que un buen día me lancé a la búsqueda de El cielo abierto, exhibida casi de manera contemporánea a Harry, un amigo que te quiere bien. Es que por algún motivo se mantenía en mis retinas el afiche promocional que muestra a una pareja feliz. Me preguntaba cómo era posible que este actor que interpretó a Harry o al capitán Vidal, tipos fríos, calculadores, muy odiables; podría actuar con credibilidad y naturalidad en una comedia romántica.
No sé como Sergi López lo logra, pero lo hace. El actor muestra su versatilidad con creces. No es casual que haya ganado diversos premios en Francia y España, y además ha filmado sin parar, mezclando personajes de rostros duros y psicóticos con tipos tiernos y dulces.

En El cielo abierto, Miguel (Sergi López) está sufriendo una dolorosa pérdida afectiva. Es una perfecta víctima amorosa. Este joven psiquiatra ha sido abandonado por Sara que huye en compañía de un ser muy próximo a él mismo.
Repentinamente y sin demasiadas explicaciones su esposa se ha marchado a Tokyo con su amante. Por si fuera poco, su suegra, casi una desconocida para él, se traslada hacia su casa en Madrid con el fin de alojarse durante la realizacón de algunos exámenes médicos, detalle que Sara había olvidado comentarle. Ahora, Miguel no solo debe lidiar con la tristeza, el dolor y la angustia de la separación; sino que también se suma su prepotente suegra, una señora bastante despreciable em principio.

Por el despacho del psiquiatra desfilan una serie de personajes (sus pacientes), algunos bastantes graciosos (aunque creo que se utilizan varios con el único objetivo de "rellenar"). Uno de ellos, Paquito, aprovecha un descuido de Miguel y hurta su billetera, previamente olvidada sobre el escritorio. El psiquiatra se dirije rápidamente al domicilio del chico, donde conoce a Jasmina (Mariola Fuentes), su hermana mayor.
Jasmina trabaja en la peluquería del barrio y realiza trabajos de depilación por su cuenta en casa. Vive austeramente con sus hermanos y sus abuelos y debe hacerse cargo de todos ellos, con su trabajo modesto y armada de mucha paciencia.
Y aquí debo detenerme para resaltar a Mariola Fuentes interpretando a Jasmina. Cada vez que aparece este personaje entrañable, divertido, la peli se llena de vida, se ilumina. Y yo creo que esta es exactamente la intención del director Miguel Albaladejo. De algún modo nos transmite lo que le pasa a Miguel. El apesadumbrado psiquiatra, un tipo estructurado, reservado y con aire bonachón, va cediendo ante la verborrágica Jasmina, su sencillez y su inocencia nos conmueven, como a Miguel.

Hay algunas cuestiones para criticar, sobre todo el cambio brusco del personaje de la suegra (María José Alfonso) que parece poco creíble. A partir de la complicación de su enfermedad comprende que su yerno no es el mounstro que imaginó y sin más, muta en una señora amorosa.

Resumiendo, El cielo abierto es una comedia romántica muy recomendable. Una historia que nos lleva del drama a la comedia suavemente. Un guión sencillo, con personajes tangibles, creíbles, imperfectos, que con frecuencia protagonizan diálogos agridulces, que se asemejan a gags; sobre todo al final de la peli, cuando decididamente el guión toma el rumbo de comedia, teniendo una destacada participación los actores secundarios, como la asistente de Miguel (Geli Albaladejo), y también su amigo ginecólogo (Emilio Gutiérrez Caba).

Sin vueltas innecesarias, con el endulzamiento justo (algo muy sucepetible de ser exagerado cuando se relata una historia romántica), la peli no tiene más pretensiones que el mensaje directo que nos brinda. Y eso es una fortaleza. Aquí no hay moralejas aleccionadoras. Simplemente la sensación de que de vez en cuando vale la pena jugarse, sin importar si es muy rápido, sin importar los consejos de la mayoría; y tomar decisiones, aunque parezcan apresuradas, confiando más en el corazón que en la razón.

Trailer de El cielo abierto.


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El nombre de la rosa

Título original: Der Name der Rose
Dirección: Jean-Jacques Annaud
Guión: Novela de Umberto Eco.
Interpretación: Sean Connery, Christian Slater, Michael Lonsdale, F. Murray Abraham, Ron Perlman
Puntuación: 8/10
Género: Drama
Países: Italia, Francia y Alemania
Duración: 126 min
Año: 1986


Cuando hace poco cursé una materia que trata sobre epistemología (disciplina que estudia el conocimiento científico), realicé un ejercicio de práctica donde se mencionaba el libro El nombre de la rosa, escrito por el semiólogo y novelista italiano Umberto Eco. En la consigna del ejercicio se explicaba cómo el autor de la novela había introducido varios guiños en su obra relativos a la semiótica (estudio de los signos, su estructura y la relación entre significante y significado) y su historia. De hecho, la resolución de un acertijo que puede relacionarse con la semiología es la clave para el desenlace de la historia.

El personaje protagonista de la obra es William de Baskerville (interpretado por Sean Connery), una clara alusión a William de Ockham, un célebre monje y filósofo franciscano inglés que vivió en el siglo XIV y que es considerado por muchos el padre de la epistemología moderna. Entre sus trabajos más conocidos se encuentra el famoso principio llamado "La navaja de Ockham", que pregona en su versión más simplificada que han de preferirse las teorías más simples a las más complejas, o sea, indica que las explicaciones nunca deben multiplicar las causas sin necesidad.
Como dijimos, William de Ockham fue un monje franciscano. La Órden Franciscana, que había sido reconocida por la Iglesia unos pocos años antes del momento en que está situada la obra, es una órden mendicante. Esto significa que sus miembros hacen voto de pobreza, renuncian a todo tipo de propiedades o bienes, ya sean personales o comunes. Viven mantenidos sólo por la caridad.

William de Ockham (y también el protagonista de la obra William de Baskerville) había entrado en una fuerte controversia con la cúpula papal al cuestionar el derecho de propiedad como parte del derecho natural. En general, el pensamiento de William de Ockham apuntaba a desmontar la estructura jerárquica de la Iglesia eliminando el papel del clero como intermediario entre Dios y los hombres. Es más, ponderaba la intelectualidad y la ciencia como medios para conocer la verdad y explicar el mundo. Evidentemente, estas ideas le valieron la acusación de hereje, motivo por el cual huyó hacia Alemania antes de conocerse el dictamen final del tribunal de inquisidores.

En la historia contada por Umberto Eco, varias personas representando tanto al cuerpo papal (por entonces radicado en Aviñón, Francia) como a la Órden Franciscana, acuden a una abadía (monasterio) en el norte de Italia para realizar un debate en el que se discutiría el rol de la Iglesia y la postura a tomar como institución respecto a la acumulación de la riqueza.
Está claro que a lo largo de la historia ha tenido una victoria rotunda la parte que creyó desde siempre que la Igesia debía ser rica, ¡y vaya qué riqueza!, con todos esos viejos viviendo en el estado más rico del mundo, El Vaticano, lejos de la gente y la realidad, en sus palacios que no son más que templos de ostentación. Y me muerdo la lengua (o me ato los dedos) para no hablar (o escribir) de política, donde el rol que ha tenido la Iglesia como institución ha sido sencillamente nefasto (¡Ah! y también voy a evitar tocar el tema de la pedofilia).
Bueno pero ya me fui del tema, volvamos a la peli. Decíamos que acudían a la abadía varias personas que ocupaban puestos religiosos relevantes, entre las que se encontraba William de Baskerville. Cuando nuestro protagonista arriba acompañado con su joven discípulo Adso de Melk (Christian Slater), el abad del establecimiento (algo así como la persona que "gobierna" el monasterio) le informa sobre una misteriosa muerte, y conociendo la agudeza e inteligencia de William, le requiere ayuda para develar el misterio. En medio del estupor generalizado de los monjes, suceden dos terribles crímenes más, atribuídos por la gran mayoría a una fuerza diabólica.

William de Baskerville, convertido en una especie de Sherlock Holmes, descubre que las personas muertas tienen un rasgo en común: están interesados en el mismo libro y mueren a causa de él.
Y ese libro no es un libro cualquiera, es el segundo tomo de la obra "Poética" de Aristóteles. Esta obra estaba compuesta por dos libros: el primero dedicado a la tragedia y el segundo a la comedia. Este último perdido misteriosamente desde la Edad Media. Nada se sabe de él hasta el día de hoy. El libro ausente muestra a un Aristóteles distinto al apropiado por la doctrina oficial de la Iglesia. Se torna peligroso para la Teología descubrir que el autor "mira la tierra antes que el cielo" y defiende prácticas y costumbres que para la Iglesia de aquel entonces eran señales heréticas.

Umberto Ecco dota a la trama de la novela de ribetes de thriller policial y de suspenso. El director Jean-Jacques Annaud evita las descipciones históricas y contextuales que abundan en el libro y exalta el misterio, logrando así que la película transcurra con una fluidez que evidentemente no podemos esperar en el libro.
De todas maneras, tanto la novela como la peli giran siempre en torno a un tema central: el ocultamiento de la verdad, el totalitarismo y la imposición de un único modo de pensar. La visión de que todo intento de racionalidad o todo cuestionamiento a las normas divinas constituyen herejías que deben ser penadas con asesinatos ejemplificadores.
Al fin y al cabo, el objetivo de la Iglesia siempre ha sido mantener de alguna forma un regimen, una forma de pensar, que desde la Edad Media han permitido una acumulación de riquezas que probablemente sea la mayor ostentada por institución alguna. Y esto es más grave aún en América Latina, donde la doctrina católica y sus derivadas mantienen millones de fieles sumisos ante la amenaza de la vigilancia de un Dios que carga a los creyentes un poco descarrilados con su lista de retrógrados, hipócritas y absudros pecados.

Ese aparato te invita a morir y te reduce a lo simple de nunca sufrir
Y es así: o te rebelás o te consumís cerrando los ojos, no sirve aplaudir
La hora del miedo, parece llegar y aquí no vale pensar
El señor, La Vela Puerca

Pero lo más interesante de El nombre de la rosa es que nos deja pensando, al menos a mi me sucedió eso, y llevó a que reflexione sobre tanta información histórica que nos regala El nombre de la rosa intentando relacionarla con la actualidad.
Mientras escribía este texto y buscaba info sobre la Órden de los Franciscanos, me preguntaba si en la actualidad ese grupo seguiría obrando con la austeridad y la coherencia de la época descripta en la historia. Y la verdad que no lo sé. Será que los Franciscanos siguen pensando que la iglesia debe estar al lado de los pobres y los oprimidos, integrando a los marginados, ayudando y colaborando con los que más necesitan en lugar de estar al lado de los opresores y avalar sus prácticas. Pensaba también en figuras como el padre Enrique Angelelli o el sacerdote Carlos Mugica, o en doctrinas como la Teología de la Liberación o el Movimiento de Sacerdotes para el Tercer Mundo ¿ellos tendrían algo que ver con los Franciscanos? Busqué, pero no encontré ninguna relación. ¿Se habrá desdibujado esta Órden absorbida por el "establishment" del clero?

También pensaba sobre el tema del ocultamiento y la destrucción de la información. Es claro que en la Edad Media la Iglesia conecentraba el poder absoluto sobre todas las actividades humanas, pero en particular pensé en la información, un tema de moda por estos días puesto en el tapete por la Ley de Medios Audiovisuales promulgada en Argentina. Pensaba por qué si hoy condenamos sin dudar el ocultamiento de información, la destrucción de libros, manifiestos, el asesinato de pensadores, etc., realizados por el monopolio de la Iglesia en la Edad Media y su Santa Inquisición; y es universalmente aceptado que gracias a estas conductas la Edad Media se transformó en una época oscura, chata, donde la humanidad se atascó; entonces por qué no podemos también condenar hoy día los monopolios mediáticos informativos. Por qué no aprendimos que es buena la diversidad de opiniones, que en la disidencia se construye. Por qué no sabemos que ocultar información es mentir y si lo hace un medio de comunicación, es censurar.
Falta el espiritu crítico. Faltan las posturas cuestionadoras, la irreverencia. Actitudes que nos hicieron avanzar como humanidad, como sociedad. Su carencia no hace más que delatar la realidad de un mundo cada vez más desigual y frívolo, con nuestra asquerosa condescendencia.

Trailer de El nombre de la rosa (en inglés)


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La corporación

Título original: Le couperet
Dirección y guión: Costa-Gavras
Interpretación: José Garcia (Bruno Davert), Karin Viard (Marlène Davert), Geordy Monfils (Maxime Davert), Christa Theret (Betty Davert), Olivier Gourmet (Raymond Mâchefer)
Puntuación: 7/10
Género: Drama
Países: Bélgica, Francia y España
Duración: 118 min
Año: 2005

Los uruguayos de alguna manera deberíamos estar agradecidos a Costa-Gavras. Este director, guionista y productor greco-francés puso en el tapete mundial la situación política y social que se vivía en Uruguay a finales de los años 60 y a través de ello denunció también lo que sucedía en América del Sur, una región usualmente ignorada, menospreciada y excluida de los temas de relevancia de opinión mundial.
La película Estado de sitio, por supuesto prohibida por aquellos años en Uruguay, narra un hecho verídico: la llegada de Dan Mitrione al país y su secuestro y posterior fusilamiento por parte del MLN-Tupamaros al fracasar el intercambio del prisionero por algunos presos políticos del movimiento. Dan Mitrione era un funcionario del FBI con un historial nefasto. Su prontuario contaba con una lista interminable de apoyos a los golpes de estado alentados por EEUU en América Latina. Conocido por proveer armamento y entrenamiento a las policías locales con el fin de instaurar la tortura y la consecuente violación a los derechos humanos como forma de combatir la guerrilla, siempre contando con el apoyo de los gobiernos títeres elegidos en muchos casos en condiciones fraudulentas.
De esta forma, una personalidad con prestigio mundial como Costa-Gavras denunciaba en las grandes salas del mundo la manera en que EEUU accionaba en aquellos tiempos (no muy diferente a la actualidad), propiciando el terrrorismo de estado y las dictaduras, siempre en nombre de la democracia y la libertad.

Después, perdí la pista de los trabajos de este director. Ni siquiera había visto otras películas de él, hasta que me topé con La corporación.

En esta peli, Costa-Gavras relata la historia de Bruno Davert, y a partir de la vida de este personaje reflexiona sobre la sociedad actual.

Cuando Bruno Davert, un ejemplar empleado que llevaba una carrera ascendente en una empresa papelera es sorpresivamente despedido ante los recortes de personal, su vida comienza a desmoronarse paulatinamente. Conforme el tiempo pasa y las entrevistas se suceden, la ilusión inicial de aplicar a un puesto de trabajo prestigioso se desvanece. Es así, que ya sumido en la desesperación e inmerso en una crisis familiar, luego de tres años, decide sin más, comenzar a asesinar a todo aquel competidor que crea calificado para aplicar a los puestos aspirados por él, que en particular está obsesionado con un puesto en la empresa Arcadia.

El comienzo de los asesinatos es narrado con toques de humor negro, pero luego todo se va transformando en una situación patética y triste que invita a pensar sobre el mundo laboral y sobre aquello que estamos dispuestos a relegar y a hacer para mantener cierto prestigio e imágen, a cambio de un regimen laboral que a esta altura se asemeja a la semi esclavitud.

Poco a poco Bruno Davert (interpretado de manera excelente por José Garcia) se transforma y se perfecciona a sí mismo. Ahora ya es un asesino serial frío, lógico, calculador, aunque en apariencia es un exitoso señor, sostén de familia, poseedor de una presencia elegante y de conducta intachable. Ni siquiera la policía puede dar con la pista de los feroces crímenes, que seguramente se atribuirán a algún mal viviente inmigrante.
Aquí no se asesina por deseo sexual, por revancha, por ideología, se asesina para llegar a un objetivo individual, propio. El fin que justifica los medios en una sociedad donde tanto el fin como los medios están totalmente putrefactos.

La corporación posee algunas falencias. Claramente se comete un exceso incluyendo algunas escenas innecesarias, repetitivas y a veces, tediosas. También podemos encontrar algunas inconsistencias en el guión, y algunas vueltas que no aportan a la trama y la alargan. Quizás por esto no acaba de ser una obra redonda, de todas formas, Costa-Gavras propone una mirada realista y ácida de los tiempos contempóraneos, enfocándose en el mercado laboral, haciendo hincapié en el trabajador, que lejos de dignificar y enaltecer su tarea, su rol fundamental como motor de la economía y la producción, ha mutado para ser un producto más, entregado casi sin resistencia al imperio del capital.

La corporación me recuerda a algunos personajes de mi vida diaria. Cuando veo a algunos tipos que trabajan en la empresa donde yo trabajo, pienso, qué harían si en cuestión de minutos, de un día para otro, la empresa decide prescindir de ellos, utilizando como argumento, por ejemplo, que en India la mano de obra es más barata, o porque simplemente los señores que la dirijen deciden que ya han ganado suficiente dinero. Me pregunto como sobrellevarían una situación así esos pobres tipos, que viven entregados al trabajo, que desperdician sus días sin siquiera cobrar horas extras, que están orgullosos de ponerse la camiseta y que son explotados de manera flagrante con su complacencia y colaboración.

¿Está muy lejos de la realidad lo planteado por Costa-Gavras? Yo creo que no tan lejos. La obsesión por mantener un estatus absurdo, a cualquier precio. La necesidad de crear y sostener una imágen de hombre exitoso, estereotipo impuesto desde todos los estamentos sociales y apoyado fundamentalmente desde los medios de comunicación que imponen sus modelos y bombardean con mensajes que hace tiempo dejaron de ser subliminales.

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Las invasiones bárbaras

Título original: Les invasions barbares
Dirección y guión: Denys Arcand
Interpretación: Rémy Girard (Rémy), Stéphane Rousseau (Sébastien), Marie-Josée Croze (Nathalie), Marina Hands (Gaëlle), Dorothée Berryman (Louise), Johanne Marie Tremblay (Constance), Yves Jacques (Claude), Pierre Curzi (Pierre), Louise Portal (Diane), Mitsou Gelinas (Ghislaine)
Puntuación: 9/10
Género: Drama
Países: Canadá y Francia
Duración: 99 min
Año: 2003
Premios: Ganadora de un premio Oscar 2003 a mejor película extranjera. Ganadora en Festival de Cannes de los premios mejor actriz (Marie-Josée Croze) y mejor guión.(Denys Arcand)

Casi veinte años después, Denys Arcand filmó Las invasiones bárbaras, secuela de su exitosa La decadencia del imperio americano, del año 1986 y ya comentada en todas mis pelis. Y parece que el paso de los años le cayó muy bien a este director y guionista porque Las invasiones bárbaras es una rara excepción a la regla que establece que segundas partes nunca han sido buenas. En este caso, Denys Arcand se despacha con una obra brillante, que supera ampliamente a la primera.

Aquellos viejos personajes tan queribles presentados en La decadencia del imperio americano, un grupo conformado por pseudo intelectuales y pequeños burgueses de tendencia progresista, crecidos en la agitada década del 60, a veces inmaduros y casi monotemáticos, han sufrido el paso del tiempo. Sus personalidades y vidas se han amoldado casi por obligación a una sociedad que en veinte años cambió diametralmente valores y principios sin cuestionamientos y a una velocidad asombrosa. A través de ellos, Denys Arcand nos muestra la añoranza de un tiempo pasado mejor. Cada charla entre los viejos compinches entrega un sinfín de recuerdos que idealizan un mundo que probablemente ni siquiera haya existido. Parecen recordar una época donde se valoraba y se estimulaba la intelectualidad por sobre casi cualquier aspecto, y a la vez, esta era una garantía de ascendencia social. Clara contraposición con la actualidad, donde nos encontramos sin rumbo vagando en una vida frívola, individualista, desigual, siempre pautada por los signos distintivos del capitalismo y la globalización.

Entonces Denys Arcand reunirá a los viejos compañeros en torno a Rémy para narrarnos el fin de su vida. Rèmy, el personaje principal, es un viejo profesor de historia aquejado por cáncer terminal. Lo interesante de esta situación radica en la forma en que se aborda un tema complejo como la muerte y las últimas horas de vida. Se hace un planteamiento desdramatizado e inteligente, evitando los clásicos golpes bajos arteros y cursis.
Las reuniones con los amigos, en la cama del hospital o en cualquier otro lugar siempre están repletas de anécdotas, mezclando melancolía y nostalgia. Recordando los buenos años y discutiendo sobre pasado y presente logran olvidarse y reirse de los dolores e ignoran a la propia muerte.

También acuden al hospital el hijo de Rèmy y su esposa. Sebastien es un exitoso empresario que opera en la bolsa y reside en Londres. Todo lo puede comprar y vender. El nuevo rico actúa y vive de esta manera y piensa que es lo correcto. Es así que soluciona los múltiples problemas relativos a la internación de su padre de forma práctica y rápida. Se encarga de las medicinas, el alojamineto hospitalario y otras cuestiones. Sebastien va por la vida sobornando a todos para abrirse camino, sin implicancias éticas para él, pero tampoco para los comprados. Por esto, no es raro que las escenas protagonizadas por padre e hijo posean una carga de tensión importante. En las discusiones entre ambos se aprecian sus marcadas diferencias. Además del conflicto generacional, éstos personajes tienen ideologías antagónicas, modos de vivir incompatibles, escalas de valores muy diferentes y mucho que reprocharse de su pasado. Dificultades que en el contexto de una enfermedad terminal deberán matizar, para que ambos intenten concretar un reencuentro que se deben hace tiempo.

Denys Arcand no ahorra críticas. Además de abordar como temas fundamentales de su obra la contraposición ideológica expresada en los personajes de Sebastien y Rèmy, y la forma de tomar la muerte (y la vida); también se tratan otras cuestiones muy importantes, como la eutanasia, el sistema de salud y la drogadicción.
En particular la visión del sistema de salud de Canadá resulta tenebrosa, desde todo punto de vista. La infraestructura, la capacidad profesional y la burocracia gremial, son atacadas por el director sin concesiones. De las negociaciones que Sebastien lleva adelante con el gremio resultan escenas tragicómicas.
El tema de la adicción a la droga surge cuando Rèmy comienza a utilizar heroína de forma terapeutica. Cabe preguntarse a raíz de esto si la heroína podría sustituir a la morfina para enfermos terminales. Está demostrado que tiene un efecto mejor en el paciente, teniendo como desventaja la creación de dependencia, pero para el caso de enfermos próximos a morir debiera discutirse seriamente si este punto es realmente importante. Volviendo a peli, en este contexto hace su aparición un personaje muy importante, Nathalie, la hija adicta de una de las amigas y amantes de Rèmy. A cambio del mantenimiento de su propio consumo, ella se encargará de comprar la heroína para el tratamiento del enfermo. Nathalie y Rèmy construyen una estrecha relación y sus diálogos sinceros y profundos, casi siempre desarrollados en el momento de la inyección, constituyen un punto alto en Las invasiones bárbaras.

Pero si hay algo que me fascinó de la peli son los diálogos intelectualoides. Disfruté muchísimo de las charlas, nunca exentas de autocrítica, entre esos viejos que han sido arrastrados a la locura de la modernidad, un poco por su responsabilidad y un poco por la marea (por las invasiones).
La teoría de los "ismos" y el "cretinismo", sobre el final de la peli me pareció sencillamente excelente (transcribo el diálogo al final de este comentario), asi como también la teoría de la intelegencia colectiva (adjunto video youtube en el final)
Cabe destacar también que Rèmy protagoniza otra escena brillante cuando hace referencia a la "Leyenda Negra" de España y Portugal, reaccionando ante palabras de una monja enfermera que le comenta inocentemente sobre el flagelo de la violencia en el mundo actual. Rèmy le recuerda vehementemente que los españoles y portugueses borraron del mapa durante el siglo XVI a 150 millones de indios en América Latina con el beneplácito y el impulso de su religión, 50 millones más en Norteamerica a manos de franceses, ingleses, holandeses y sus desecendientes, mientras que las guerras y deportaciones del siglo XX apenas eliminaron a unos 130 millones de prójimos. "La historia de la Humanidad, hermana, es una historia de horror..."

Las invasiones bárbaras invita a reflexionar, sobre todo a través del personaje de Sebastien y su modo de vida, tan identificable con tanta gente. Ante tanto yuppie y nuevo rico cool, empresarios con fortunas heredadas o construidas dudosamente, amasando sus millones ostentosamente, erigidos como paradigmas de éxito por los medios de comunicación; no puedo dejar de preguntarme si es esto lo que realmente queremos para nuestra sociedad, para nuestra vida. Si vamos a seguir siendo comprados por una módica suma sin menor resistencia y autocrítica; o quizás, podamos intentar la búsqueda de un camino propio y alternativo, menos ficticio, sincero y en definitiva, digno.
Yo creo firmemente que aún no todo está perdido, seguramemnte algo parecido a lo que debe opinar Denys Arcand, a juzgar por la aparición de un par de personajes que nos transmiten que aún podemos cambiar algo. Nathalie, la drogadicta por fuera de todo y con ansias de recuperación, y una ex alumna de Rèmy que rehusa el pago de Sebastien por una visita al hospital con el objetivo de levantar el ánimo de su antiguo profesor, abren una luz de esperanza que permiten que sea al menos un poquito optimista: la lucha por cambiar el mundo no se ha finalizado con la generación del 60.
"Todo no se compra, todo no se vende. Tengo una lista interminable de cosas más importantes que la seguridad".
Declaración de principios de Tanguito (interpretado por Fernán Mirás) en Tango feroz (Marcelo Piñeyro, 1993)

Diálogo sobre "Cretinismo"
REMY: Lo he sido todo. Es increíble. Separatista, independentista, soberanista, soberanista-asociacionista.
PIERRE: Al principio empezamos siendo existencialistas.
MUJER 1: Leímos Sartre y Camus.
HOMBRE 1: Después tuvimos a France Fanon, y nos volvimos anticolonialistas.
REMY: Y leímos a Marcuse y nos volvimos Marxistas.
PIERRE: Marxistas-Leninistas.
HOMBRE 2: Trotskistas.
MUJER 2: Maoístas.
REMY: Después con Solzhenitsyn cambiamos de idea y nos volvimos estructuralistas.
PIERRE: Situacionistas.
MUJER 1: Feministas.
HOMBRE 1: Deconstruccionistas.
PIERRE: ¿Hay algún "ista" que no nos haya gustado?
HOMBRE 1: El Cretinismo.
REMY: Dios mío. No, acuérdense de Guo Jing.
HOMBRE 2: ¿Quién era Guo Jing?
HOMBRE 1: Una Arqueóloga con falda abierta hasta arriba de la pierna.
HOMBRE 2: Hasta tú te acuerdas.
REMY: Al final de los setenta, China se abre al Occidente. Guo Jing vino a Montreal en un intercambio cultural. La Universidad envío a su izquierdista radical, yo... Entro en el comedor de su hotel, la veo y me muero. Una belleza que haría fundir hasta los 7,000 guerreros de barro del Emperador Quin. Pedí un té, hablamos de banalidades. Yo ya me veía haciéndole la "canasta de Pekín".
PIERRE: ¡No, la palanca de Sichúan!
REMY: En fin, ya frente a ella, para hacerme el interesante le digo: "Es extraordinariolo que ocurre en su país." "¡Cuánto los envidiamos! ¡Su Revolución Cultural es formidable!" En ese instante vi la expresión de sus bellos ojos negros. Y me pregunté preocupado en qué estará pensando..."¿O es un agente provocador de la CIA o es el peor idiota del mundo Occidental." Y optó por la segunda.
PIERRE: Adiós a la "canasta" y a la "palanca".
REMY: Durante 2 años estuvo limpiando corrales de cerdos en una granja de re-educación laboral. Su padre fue asesinado, su madre se había suicidado. Y un tonto Franco-Canadiense que porque había visto las películas de Jean-Luc Godard y leído Philippe Sollers ¡decía que la Revolución Cultural China era formidable! El Cretinismo no podía caer más bajo.

Trailer de Las invasiones bárbaras


Escena de Las invasiones bárbaras donde se explica la teoría de la intelegencia colectiva




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El beso de la mujer araña

Título original: Kiss of the spider woman
Dirección: Hector Babenco
Guión: Leonard Schrader (basado en novela de Manuel Puig)
Interpretación: William Hurt, Raúl Julia, Sonia Braga, Jose Lewgoy, Milton Gonçalves, Miriam Pires, Nuno Leal Maia
Puntuación: 8/10
Género: Drama
Países: Brasil y EEUU
Duración: 119 min
Año: 1985
Premios: Un premio Oscar 1985, mejor actor (William Hurt). Tres nominaciones: mejor director, película y guión

Manuel Puig (Provincia de Buenos Aires, 1932 - Cuernavaca, México, 1990) publicó en 1976 El beso de la mujer araña. La novela fue prohibida inmediatamente por la dictadura argentina en un acto totalmente coherente con el accionar del estado de aquella época. De hecho, Manuel Puig ni siquiera vivía en la Argentina cuando finalizó su novela. Tuvo que dejar el país unos años antes e instalarse en México, luego de las amenazas efectuadas por la Triple A (Alianza Anticomunista Argentina), un grupo parapolicial que comenzó a operar alrededor de 1974 con el aliento y el soporte de las altas esferas gubernamentales.

Casi una década después, la historia que ilustra la convivencia de dos presos con orígenes y personalidades sumamente diferentes, fue llevada al cine por el director Héctor Babenco, argentino de nacionalidad, con una sólida carrera cinematográfica realizada íntegramente en Brasil.
La peli fue filmada en el año 1985 a través de una coproducción entre Brasil y EEUU y tuvo un relativo éxito, acentuado luego de que fuera nominada a varios premios Oscar (mejor película, mejor director, mejor guión y mejor actor protagónico; premio que obtuvo merecidamente William Hurt interpretando a Molina).

La obra ha sido llevada al teatro en varias oportunidades. Justamente, hace un par de meses, vi un cartel en el subte anunciando que El beso de la mujer araña.
estaba en cartel, protagonizada por Humberto Tortonese y Martín Urbaneja. Este hecho invocó a la memoria cinéfila de mi lejana niñez y revolviendo bastante pude recordar de qué manera el sugestivo nombre de la obra llamaba mucho mi atención cuando tenía seis o siete años, por aquella época en que la peli se estrenaba.
Una horas después, ya tenía la novela en mis manos.

Qué dificil comentar la peli olvidándose del libro. Voy a intentarlo.
En una precaria celda Luis Molina (Raúl Juliá) y Valentín Arregui (William Hurt) comparten su condena. Son claramente dos personas muy diferentes.
Molina es un homosexual bastante afeminado, que trabaja como decorador de vitrinas. Coloca los sentimientos sobre cualquier otro aspeto de la vida. Sueña con ser la heroína de una historia de amor ideal y sublime, donde triunfe el amor sobre todos los males. Se encuentra en prisión por corrupción de menores pero está lejos de ser un pervertido.
Valentín Arregui, es un hombre recio, idealista, que antepone el bienestar general al personal. Estudioso y luchador incansable, dispuesto a dar su vida en pos de lograr la revolución que permita una organización social igualitaria y solidaria. Es un preso político.

Molina y Valentín crean una especie de ritual que los ayuda a sobrellevar la opresión y la dureza de la prisión. Noche a noche, Molina le narra a Valentín una película que se desarrolla en la Alemania nazi. Es una historia de amor entre un oficial de la Gestapo y una bella y afamada cantante francesa, Leni Lamaison, intrepretada por Sonia Braga.
Al principio de los relatos, Valentín se muestra enfurecido ante el encanto y la admiración con que Molina narra la película, sin percatarse de que se trata de una mera propaganda nazi y además bastante cursi.
Conforme transcurre el relato de la película, tanto Valentín como Molina experimentan procesos de transformación; van despojándose de prejuicios y diferencias y comienzan a abrirse el uno al otro. Se acercan y se comprenden de una manera tierna, y a veces emocionante. Es así que Valentín deja de ver a Molina como una persona superficial y frívola, a la vez que le confía sus recuerdos sentimentales enfocados en un gran amor frustrado: Marta. Queda atrás un Valentín obstinado y con frecuencia violento y rabioso.

Éstos dos personajes, despojados de toda pertenencia afectiva y material, en primera instancia antagónicos e incompatibles, en un punto comprenden que sólo se tienen el uno al otro.
Están de alguna manera obligados a volver a lo más básico del humano y en este contexto extremo es que se dejan atrás todas las convenciones sociales y los muros ideológicos y sociales que nos dividen y retornan a lo más primitivo y genuino de nuestra especie para construir una relación hermosa y emotiva.

Yendo a la novela y realizando la inevitable comparación con la película, además de señalar lo obvio, también corresponde señalar lo que a mi juicio es una difrencia sustancial ya que afecta directamente el concepto y el mensaje que intenta transmitir Manuel Puig en su libro.
Lo obvio tiene que ver con ciertos aspectos que se pierden cuando se efectúa el pasaje de literatura a cine, como recortes de contenido (por ejemplo, Molina le narra a Valentín varias películas), modificación de algunos parlamentos, sustitución en las referencias geográficas locales, falencias en la descripción de algunos personajes, etc.
Lo que no es tan obvio es la forma en que Manuel Puig utiliza su relato, casi con el único fin de reforzar las notas al pie que coloca a lo largo de la novela.
El lector podrá encontrar en muchas página éstas notas que describen con mayor profundidad y dan un marco a los temas que se están tratando en la historia. De esta manera, el autor nos da el contexto necesario para comprender la resistencia francesa en la Alemania nazi, así como también las diversas teorías expuestas para explicar la homosexualidad, citando autores como Herbert Marcuse (1898 - 1979), Sigmund Freud (1856 - 1939), Otto Fenichel (1897 - 1946)
“[…] Las primeras manifestaciones de la libido infantil son de carácter bisexual” y agrega que "el ser humano ha desarrollado la heterosexualidad luego de haber asumido la superioridad del género masculino sobre el femenino, considerando indebido todo sexo que no sea heterosexual o genital". De alguna forma, la historia de Molina y Valentín respalda la teoría de la heterosexualidad como un comportamiento social impuesto y ésto, para una Argentina de hace más de 30 años, era un sacudón para los retrógrados dinasaurios de siempre, que aún hoy, siguen negando la equiparación de derechos para los homosexuales, con argumentos arcaicos e hipócritas.

Sólo quedan por resaltar de la peli, la banda sonora, obra del brasileño John Neschling, cuyo disco no puedo encontrar en ninguna parte; y las actuaciones brillantes, tanto de William Hurt como de Raúl Juliá.





























Trailer de El beso de la mujer araña.


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