No te muevas

Título original: Non ti muovere
Dirección: Sergio Castellito
Guión: Margaret Mazzantini y Sergio Castellito Basado en la novela de Margaret Mazzantini.
Interpretación: Penélope Cruz (Italia), Sergio Castellito (Timoteo), Claudia Gerini (Elsa), Ángela Finocchiaro (Ada), Marco Giallini (Manlio), Pietro de Silva (Alfredo), Elena Perino (Ángela).
Puntuación: 7/10
Género: Drama.
País: Italia.
Duración: 125 min.
Año: 2004.

Muchas películas italianas son tildadas de falta de iniciativa, repetitivas, muy apegadas a la tradición del género comedia/drama que recorre el cine italiano desde el neorrealismo comenzado en los 50's pasando por Fellini y su descollante obra en los 60-70's, llegando a Nani Moretti o Giuseppe Tornatore en la actualidad. Generalizando groseramente, se trata de obras que abordan temas accesibles, reconocibles para muchos por formar parte de nuestra vida cotidiana, comedias costumbristas. Pero además de contar esta pequeñas historias chicas, subjetivas, con tinte melancólico, irónico y sarcástico, esta clase de cine hace subyacer sobre esos relatos en apariencia insignifantes, grandes acontecimientos de la realidad social y política.
El cine italiano, tan difícil de definir (imposible) pero fácilmente identificable, para algunos repetición y tedio de las mismas fórmulas, sin embargo a otros, nos produce regocijo y disfrute.

En No te muevas, una adolescente sufre un grave accidente y es trasladada al hospital donde casualmente trabaja su padre, Timoteo (Sergio Castellito, director y protagonista de la película), un prestigioso médico.
Mientras Timoteo aguarda la intervención de un colega, esperanzado en que Ángela pueda escapar del estado de coma, evoca una historia pasada que revela algunos momentos de una relación amorosa extramatrimonial. Es un amor pasado, doloroso y secreto, que marcó su vida.
Esta especie de charla imaginaria entre padre e hija, retrotrae el curso del guión a unos años atrás para contar el comienzo de aquella historia.

Cuando Timoteo tiene un desperfecto en su auto, en medio de una solitaria ruta camino a un congreso médico, no tiene más opción que acudir a un pueblito cercano y aislado procurando ayuda. Casualmente se topa con Italia (Penélope Cruz), una mujer golpeada, demacrada, media chueca y grosera, para nada atractiva, tanto desde lo intelectual como desde los físico.

Por qué Timoteo se enamora de esta mujer. Por qué descarga en ella su furia, sus sentimientos contradictorios, en un prinicipio utilizando violencia física. Este destacado médico que tiene una carrera brillante, una esposa linda e inteligente (Claudia Guerini), una posición económica envidiable, se enamora de forma inesperada, de la más vencida y desesperanzada mujer.
La relación entre ellos va mutando. Timoteo e Italia, que en un principio habían establecido una vínculo de dominación, donde el médico omnipotente saquea, aprovecha y se sirve, sin que ella puede hacer algo diferente a la sumisión; comienzan a evolucionar hacia una relación más "típica".
En este punto queda bastante descuidado el cambio en el personaje de Italia. Se pone el énfasis en cómo Timoteo percibe y digiere este cambio, cómo articula la relación clandestina y la vida "normal" con su esposa y su trabajo.
Pero la propuesta principal de No te muevas
invita a pensar de qué manera Italia viene a llenar un espacio vacío en la vida de Timoteo. Entre tanta frivolidad rutinaria, un choque con la vida real lo despierta, y poco a poco se enamora de la sureña.

De Italia, poco y nada sabemos, y eso es un falencia del guión. Básicamente, no tiene nada que perder, y eso basta para justificar su accionar.

Penélope Cruz con su personaje de nombre sugerente (Italia, ciertamente invita a la metáfora para conjeturar sobre un país históricamente dividido entre Norte y Sur) deslumbra, da vigor y fuerza al desarrollo de la historia.

Sergio Castellito parece un poco frío en su actuación, pero creo que es una intención deliberada. Una forma de marcar el caracter racional, meditabundo de su persona y de su vida diaria, y contrastarla con sus esporádicos encuentros apasionadas con Italia.

Resumiendo, No te muevas no renueva el clásico conflicto amoroso entre dos personas de diferentes clases sociales y aspiraciones. No ahonda en una minuciosidad a la hora de caracterizar a los personajes que quizás hubiera sido necesaria para explicar por qué Timoteo e Italia no pueden cambiar el rumbo de sus vidas, no pueden librarse de un mundo que se les impone, les cae con todo su peso y los encuadra dentro de ciertos límites convencionales de acuerdo a sus orígenes y formas de vida.
El director parte de la gastada oposición entre personajes de diferentes estratos sociales y le suma algún aderezo interesante, pero no trasciende más allá del melodrama romántico.

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La suerte de Emma

Título original: Emmas glück
Dirección: Sven Taddicken.
Guión: Claudia Schreiber y Ruth Toma; basado en la novela de Claudia Schreiber.
Interpretación: Jördis Triebel (Emma), Jürgen Vogel (Max), Hinnerk Schönemann (Henner), Nina Petri (Dagmar), Martin Feifel (Hans), Karin Neuhäuser (Lene), Arved Birnbaum (Karl).
Puntuación: 6/10
Género: Drama romántico.
País: Alemania.
Duración: 99 min.
Año: 2006.

La suerte de Emma tiene la estructura de un drama romántico, aunque adornada con algunos recursos específicos del entorno donde se desarrolla: una granja manejada únicamente por una joven mujer, solitaria, un tanto hosca y con algunas deudas.
Esta es la pintoresca Emma, rodeada de sus gallinas y sus chanchos (a lo que cría de una forma muy peculiar, con mucho cariño que es expresado por Emma hasta en el momento del sacrificio), vive una vida tranquila, aunque está un poco cercada y acosada por el policía del pueblo.
Pero como decíamos, la obra es un clásico drama romántico, como tantos ya hechos, que ya vimos, quizás contra nuestra voluntad, en alguna tarde aburrida. Es que La suerte de Emma es la típica historia de una pareja despareja, donde uno de los integrantes, Max, es notificado del poco tiempo de vida que le resta a raíz de un cáncer terminal. Por eso, apenas empieza la obra, ya sabemos como terminará; lo que no hace decaer el interés hasta el final.

Max trabaja en un automotora. A raíz de su enfermedad, decide marcharse a algún sitio paradisíaco, así que una noche roba el dinero de su propio lugar de trabajo con el objetivo de huír hacia algún paraíso estando económicamente holgado.
Pero el plan de nuestro protagonista parece fracasar cuando es pescado con las manos en la masa por su socio, lo que provoca una frenética persecución, cada uno en su auto. La aventura termina con un accidente: el auto volcado casualmente en la granja de Emma; sin que su socio pudiera divisarlo.
Ahora, la solitaria Emma, tiene en su vieja granja un hombre inconciente, un auto destruido y una bolsa con mucho dinero.

Entre desconfianzas mutuas y algunos encontranazos transcurre este encuentro, que lenta pero indifectiblemente se transformará en amor y felicidad; atravesando momento divertidos, amargos y emocionantes, algunos valiéndose del golpe bajo; porque es casi imposible no apelar a la emoción tratándose de historias de este tipo.
Y punto; no hay mucho más para decir, quizás la belleza de las escenas finales justifiquen la peli, siempre comandadas por una Emma increiblemente decidida, fuerte, firme, cerrando así una excelente interpretación.

También se podría hacer una lectura un poco más profunda; y poner el foco en algunos temas tocados lateralmente, aunque realmente no creo que sea la intención en La suerte de Emma. Pero, tal vez resulte interesante el choque y contraste que se produce cuando dos visiones de vida diferentes se encuentran. Porque Max y Emma, son dos personas que llevan sus vidas de formas bien distintas. Max, inserto en el modo de vida occidental, globalizado, ése que no es capaz de proveernos plenitud y felicidad, pero que seguimos manteniendo y defendiendo cada día explicita e implícitamente; versus Emma, en su vida solitaria, en un sitio alejado, sin invenciones tecnológicas, sin necesidades prefabricadas. Son personas en las que la felicidad y la infelicidad parecieran pasar por lugares antagónicos, o al menos, difrerentes; tocar otras fibras, y las de Emma siempre parecen las más alejadas de los bienes materiales y más cercanas a los sentimientos, a la pasión. Siempre con esta clase de pelis, me queda esa sensación de que el protagonista enfermo, en este caso Max necesita un golpe para definitivamente percatarse de que la vida se va, enredada entre frivolidades y banalidades. Me pregunto si a todos nos pasará lo mismo o si podremos revertir a tiempo el rumbo de una vida que decididamente, no queremos, pero igualmente, mantenemos.

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Cachorro

Dirección: Miguel Albaladejo
Guión: Miguel Albaladejo y Salvador García Ruiz
Interpretación: José Luis García-Pérez (Pedro), David Castillo (Bernardo), Diana Cerezo (Lola), Mario Arias (Javi), Arno Chevrier (Manuel), Josele Román (Gloria), Elvira Lindo (Violeta), Empar Ferrer (Doña Teresa), Félix Álvarez (Dani)
Puntuación: 7/10
Género: Drama
País: España.
Duración: 99 min.
Año: 2004

Siguiendo al actor Sergi Lopez, llegué a El cielo abierto, anteriormente comentada en todas mis pelis, y así conocí al director Miguel Albadalejo. Husmeando en su carrera me interesó Cachorro, sobretodo por el momento que estamos viviendo en Argentina, con la reciente aprobación del matrimonio igualitario, que equipara derechos entre las personas homosexuales y heterosexuales. Han sido, sin dudas, días muy felices, porque finalmente el Estado reconoce esta realidad preexistente a cualquier norma, y desde sus leyes, no legitima la distinción entre ciudadanos de primera y segunda; otorgando a todos, independientemente de su orientación sexual, los mismos derechos, garantizando así las libertades de estas minorías.
Todavía quedan muchos sectores minoritarios de la sociedad con los que hay que equiparar derechos; más arduo aún es el trabajo después de la aplanadora neo liberal que nos azotó en los 90s, arrasando no sólo con el Estado, sino también con los lazos de solidaridad social, promoviendo la creación de mezquinas mentalidades individualistas cuyo universo se reduce al bienestar personal medido en base a la cantidad de aparatos electrónicos, tecnológicos, etc. que se puedan comprar.

Cachorro muestra una realidad, para muchos oculta, una minoría dentro de una minoría: la comunidad de osos, hombres homosexuales con algunos rasgos físicos distintivos que viven su sexualidad y la relación con su propio cuerpo abiertamente, sin inhibiciones. Hombres que escapan a algunos estereotipos comúnmente aplicados a los gays. Además, se afronta la problemática de la adopción; creando así un cóctel que, a priori, me parecía muy interesante.

Y el resultado, si bien es bueno, realmente no llegó a colmar mis expectativas, quizás demasiado elevadas.
Cachorro termina por transmitir un buen mensaje, humanizando, desmitificando a la comunidad homosexual, algo muy valorable, pero a pesar de ello, me quedé con la sensación de que Miguel Albadalejo no llega a explotar el potencial de la historia, y ese cúmulo de buenas intenciones iniciales termina por naufragar.

El desarrollo de la historia comienza cuando Violeta, al partir de vacaciones a India con su novio, deja a su hermano Pedro como encargado de cuidar a su hijo de 9 años: Bernardo.
Es así que el tío oso recibe en su hogar al sobrino, algo que evidentemente provocará una modificación temporal en sus hábitos.

Pedro asume con gusto el desafío, dispuesto a acomodarse a la vida con Bernardo, y es en este segmento en donde Cachorro muestra mayoritariamente pasajes graciosos, valiéndose del recurso de contraponer la nueva y vieja cotidianeidad de Pedro, ahora convertido en un tío responsable ante la incrédula mirada de la mayoría de sus amigos.

Hay un quiebre súbito en la vida de tío y sobrino, a raíz de la noticia de que Violeta se encuentra detenida por tiempo indeterminado en India por tenencia de drogas. Ante la falta del papá, Pedro debe hacerle frente a esta nueva realidad, y lo hace con madurez, responsabilidad, al igual que su grupo de amigos.
Pedro y Bernardo, luego de un principio con algunas complicaciones, poco a poco han construido una relación sólida, muy tierna, compartiendo momentos buenos y malos con sinceridad.
Cuando todo parece tener un buen destino, una presencia tan indeseable como inesperada trastocará esta relación; la aparición de la abuela paterna, que trae a cuestas la bolsa de prejuicios muy habituales en ciertos ámbitos, reclamando por la tenencia del niño. Este hecho abre un abanico de nuevas situaciones, esta vez, con un dejo dramático, que llevarán a un desenlace un poco desabrido

Esta es la historia básicamente, que transita con rapidez de la comedia al drama, y más allá de la homosexualidad de muchos personajes (Pedro y muchos de sus amigos) es una historia que trata de las relaciones humanas.

Librándose de todos los estereotipos difundidos con asiduidad, Cachorro muestra la homosexualidad con naturalidad, a los gays como personas normales, con defectos, virtudes, con sentimientos, en fin, personas como todos nosotros; rompiendo con el modelo de mariquita afeminado simpático, o bien, con el marica promiscuo, retratado desde los medios.

Y es por esto mismo, que los homosexuales, deben gozar de los mismos derechos y obligaciones que el resto, también para la adopción. Este alegato a favor de la igualdad de derechos sin dudas constituye un de los puntos altos de Cachorro; que, sin embargo, por otros lados hace un poco de agua, sobre todo con un guión que quiere tocar muchas temas (homosexualidad, adopción, drogas, HIV, etc) y que acaba por no profundizar demasiado.; con un final que se precipita como a las apuradas.

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La cinta blanca

Título original: Das weisse band.
Dirección y guión: Michael Haneke.
Interpretación: Leonie Benesch (Eva), Josef Bierbichler (encargado), Rainer Bock (doctor), Christian Friedel (maestro), Burghart Klaussner (pastor), Steffi Kühnert (Anna), Ursina Lardi (Marie Louise), Susanne Lothar (comadrona), Gabriela-Maria Schmeide (Emma), Ulrich Tukur (el barón)
Puntuación: 8/10
Género: Drama
Países: Alemania, Austria, Francia e Italia.
Duración: 144 min.
Año: 2009.

Difícil quedar indiferente frente a una obra de Michael Haneke. El director y guionista austríaco ha ido cosechando con cada obra un sinfín de premios que han ayudado a poner sus películas en el tapete, una suerte para nosotros aquí en el sur, que nos ha permitido conocerlo.

Al menos por estas latitudes, Michael Haneke obtuvo su primera exhibición en la gran pantalla con Caché, si bien La pianista (o La profesora de piano) podía conseguirse en video, al igual que Funny Games.
Caché fue mi experiencia iniciática con el director, una de la mejores películas que vi en mi vida. Dura, sobria, totalmente perturbadora y bastante molesta, Caché plantea las inquietudes y malestares de una familia de clase media francesa, que se siente amenazada a raíz de unos extrañas cintas de video recibidos en su propio hogar. Estas cintas tratan sobre ellos mismos, que son filmados en sus cotidianeidad.
Situada en Paris, pero con situaciones perfectamente generalizables a la clase media urbana occidental, tan ocupada por su propio progreso económico, Cache destapa la basura que se esconde tras la fachada del bienestar y que sale a relucir con un hecho tan simple como esas cintas, que insinúan la violación de uno de los pilares de la supuesta felicidad familiar: la seguridad.
Daniel Auteuil y Juliette Binoche reforzaron la potencia de Caché. Lo mismo Isabelle Huppert en La pianista, una peli que explora de qué manera la protagonista, una profesora de piano, traslada y descarga sus frustraciones sobre los demás, en un juego perverso y sádico. En este caso, la desalmada profesora oprimida por la relación con su madre no puede abordar el origen de su infelicidad y construye una enfermiza relación con uno de sus alumnos.

Vayamos a La cinta blanca de una buena vez. Aunque haya mucho para decir sobre esta historia, trataré de no extenderme demasiado.
Filmada en blanco y negro, en un ritmo a primera vista cansino, La cinta blanca desarrolla varias historias, que se se entremezclan y salen a la luz luego de algunos extraños atentados que sacuden un apacible poblado alemán, previo a la Primera Guerra Mundial. Todos los hechos están revividos por un profesor que en aquel entonces tenía unos 30 años, y que situado un tiempo después, coloca su voz en off para narrarlos, mezclándolos siempre con sus vivencias particulares. Son historias a primera vista pequeñas, no muy significativas, pero rápidamente se van entretejiendo, interrelacionando, inmersas en un mundo de sutilezas y detalles que muestran en cada acto, en cada palabra y en cada silencio, un nivel de represión agobiante, que tensiona, sacude e inquieta, a veces mediante violencia física, otras veces con violencia ejercida desde lo psicológico.

La serie de misteriosos atentados son perpetrados primero contra el doctor, luego, contra dos niños secuestrados y torturados, y más tarde, también aparecerá un granjero prendido fuego. Estos atentados, son producto del férreo sistema de vida impuesto por las personas más poderosas del poblado, y aceptado con beneplácito por todos, con la religión como soporte fundamental, imponiendo su dogmática doctrina opresora. Pero a la vez son éstos hechos la excusa para reproducir con severo recrudecimiento una forma de vida que no admite disidencias, con los niños como principal objetivo, sobre los que se descargan todas las frustraciones por medio de castigos, y con la imposición de un modelo de sociedad y una moral que limita, que circunscribe al comportamiento "correcto" y que pretende ocultar la pudrición, la hipocresía y la perversión de una realidad social insostenible, asfixiante, oscura (y la fotografía apoya magistralmente la recreación de este ambiente sombrío).

Con este cuadro de represión explícita e implícita retratado en La cinta blanca, creo que Haneke busca reflejar la formación d el caldo de cultivo que propició el surgimiento del nazismo, aunque ciertamente, creo que los motivos que llevaron al surgimiento del nazismo habría que buscarlos en varias causas (y obviamente Haneke lo sabe); pero el director hace foco en el rol que le correspondió a cada comunidad y a cada individuo como cómplices y como alentadores del surgimiento de los movimientos fascistas de los 30s.

Cómo fue que la violencia, el totalitarismo, pasó a ser la solución a los problemas que emergieron luego de que el sistema capitalista estalló en la Crísis del 29.
Pero no sólo se trata del surgimiento del fascismo, hay que tratar de elevar la mira y entender que Haneke nos pone un espejo, bien actual, nos muestra que la violencia es ejercida, mantenida, desde varios sitios y situaciones, que bajo la apariencia de la apacibilidad, de la felicidad, del bienestar subyacen relaciones violentas, de dominación, de represión, no sólo consagrada en los grandes instituciones, como la iglesia, la policía, etc., sino también en nosotros mismos, en nuestras familias, con nuestros amigos. Somos responsables, como humanos, como especie, de las miserias más grandes, de los comportamientos más hipócritas, que hemos utilizado a los largo de nuestra historia como humanidad, para oprimir a los nuestros en beneficio propio. Y hasta no cambiarnos a nosotros mismos, difícilmente podamos cambiar algo de lo que construimos, ya sea en aislamiento o en sociedad, a pesar de que pregonemos hasta el cansancio cuán progresistas somos.

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El cielo abierto

Dirección: Miguel Albaladejo.
Guión: Elvira Lindo y Miguel Albaladejo.
Interpretación: Sergi López, Mariola Fuentes, María José Alfonso, Geli Albaladejo, Emilio Gutiérrez Caba.
Puntuación: 7/10
Género: Comedia
Países: España
Duración: 102 min
Año: 2001

El cielo abierto es una comedia romántica. No viene mal de vez en cuando variar un poco la temática de todas mis pelis.

La elección de esta peli tiene que ver con su protagonista: Sergi López.
Conocí a este actor en el año 2000, cuando interpretó a un psicópata en la brillante Harry, un amigo que te quiere bien, una obra de suspenso con toques hitchcocknianos, que tensiona al espectador de principio a fin, utilizando diálogos y generando situaciones, en lugar de valerse de efectos especiales maravillosos e historias increíbles.
Luego vi a este actor catalán (a propósito, ha hecho manifiesto su apoyo al independentismo catalán) con un papel importante en El laberinto del Fauno de Guillermo del Toro, donde interpretó al capitán Vidal, un cruel combatiente de los últimos vestigios de La Republica, en el fin de la guerra civil española. Hace poco leí la noticia sobre su portagónico en la última peli de François Ozon, Ricky.
Así que un buen día me lancé a la búsqueda de El cielo abierto, exhibida casi de manera contemporánea a Harry, un amigo que te quiere bien. Es que por algún motivo se mantenía en mis retinas el afiche promocional que muestra a una pareja feliz. Me preguntaba cómo era posible que este actor que interpretó a Harry o al capitán Vidal, tipos fríos, calculadores, muy odiables; podría actuar con credibilidad y naturalidad en una comedia romántica.
No sé como Sergi López lo logra, pero lo hace. El actor muestra su versatilidad con creces. No es casual que haya ganado diversos premios en Francia y España, y además ha filmado sin parar, mezclando personajes de rostros duros y psicóticos con tipos tiernos y dulces.

En El cielo abierto, Miguel (Sergi López) está sufriendo una dolorosa pérdida afectiva. Es una perfecta víctima amorosa. Este joven psiquiatra ha sido abandonado por Sara que huye en compañía de un ser muy próximo a él mismo.
Repentinamente y sin demasiadas explicaciones su esposa se ha marchado a Tokyo con su amante. Por si fuera poco, su suegra, casi una desconocida para él, se traslada hacia su casa en Madrid con el fin de alojarse durante la realizacón de algunos exámenes médicos, detalle que Sara había olvidado comentarle. Ahora, Miguel no solo debe lidiar con la tristeza, el dolor y la angustia de la separación; sino que también se suma su prepotente suegra, una señora bastante despreciable em principio.

Por el despacho del psiquiatra desfilan una serie de personajes (sus pacientes), algunos bastantes graciosos (aunque creo que se utilizan varios con el único objetivo de "rellenar"). Uno de ellos, Paquito, aprovecha un descuido de Miguel y hurta su billetera, previamente olvidada sobre el escritorio. El psiquiatra se dirije rápidamente al domicilio del chico, donde conoce a Jasmina (Mariola Fuentes), su hermana mayor.
Jasmina trabaja en la peluquería del barrio y realiza trabajos de depilación por su cuenta en casa. Vive austeramente con sus hermanos y sus abuelos y debe hacerse cargo de todos ellos, con su trabajo modesto y armada de mucha paciencia.
Y aquí debo detenerme para resaltar a Mariola Fuentes interpretando a Jasmina. Cada vez que aparece este personaje entrañable, divertido, la peli se llena de vida, se ilumina. Y yo creo que esta es exactamente la intención del director Miguel Albaladejo. De algún modo nos transmite lo que le pasa a Miguel. El apesadumbrado psiquiatra, un tipo estructurado, reservado y con aire bonachón, va cediendo ante la verborrágica Jasmina, su sencillez y su inocencia nos conmueven, como a Miguel.

Hay algunas cuestiones para criticar, sobre todo el cambio brusco del personaje de la suegra (María José Alfonso) que parece poco creíble. A partir de la complicación de su enfermedad comprende que su yerno no es el mounstro que imaginó y sin más, muta en una señora amorosa.

Resumiendo, El cielo abierto es una comedia romántica muy recomendable. Una historia que nos lleva del drama a la comedia suavemente. Un guión sencillo, con personajes tangibles, creíbles, imperfectos, que con frecuencia protagonizan diálogos agridulces, que se asemejan a gags; sobre todo al final de la peli, cuando decididamente el guión toma el rumbo de comedia, teniendo una destacada participación los actores secundarios, como la asistente de Miguel (Geli Albaladejo), y también su amigo ginecólogo (Emilio Gutiérrez Caba).

Sin vueltas innecesarias, con el endulzamiento justo (algo muy sucepetible de ser exagerado cuando se relata una historia romántica), la peli no tiene más pretensiones que el mensaje directo que nos brinda. Y eso es una fortaleza. Aquí no hay moralejas aleccionadoras. Simplemente la sensación de que de vez en cuando vale la pena jugarse, sin importar si es muy rápido, sin importar los consejos de la mayoría; y tomar decisiones, aunque parezcan apresuradas, confiando más en el corazón que en la razón.

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El nombre de la rosa

Título original: Der Name der Rose
Dirección: Jean-Jacques Annaud
Guión: Novela de Umberto Eco.
Interpretación: Sean Connery, Christian Slater, Michael Lonsdale, F. Murray Abraham, Ron Perlman
Puntuación: 8/10
Género: Drama
Países: Italia, Francia y Alemania
Duración: 126 min
Año: 1986


Cuando hace poco cursé una materia que trata sobre epistemología (disciplina que estudia el conocimiento científico), realicé un ejercicio de práctica donde se mencionaba el libro El nombre de la rosa, escrito por el semiólogo y novelista italiano Umberto Eco. En la consigna del ejercicio se explicaba cómo el autor de la novela había introducido varios guiños en su obra relativos a la semiótica (estudio de los signos, su estructura y la relación entre significante y significado) y su historia. De hecho, la resolución de un acertijo que puede relacionarse con la semiología es la clave para el desenlace de la historia.

El personaje protagonista de la obra es William de Baskerville (interpretado por Sean Connery), una clara alusión a William de Ockham, un célebre monje y filósofo franciscano inglés que vivió en el siglo XIV y que es considerado por muchos el padre de la epistemología moderna. Entre sus trabajos más conocidos se encuentra el famoso principio llamado "La navaja de Ockham", que pregona en su versión más simplificada que han de preferirse las teorías más simples a las más complejas, o sea, indica que las explicaciones nunca deben multiplicar las causas sin necesidad.
Como dijimos, William de Ockham fue un monje franciscano. La Órden Franciscana, que había sido reconocida por la Iglesia unos pocos años antes del momento en que está situada la obra, es una órden mendicante. Esto significa que sus miembros hacen voto de pobreza, renuncian a todo tipo de propiedades o bienes, ya sean personales o comunes. Viven mantenidos sólo por la caridad.

William de Ockham (y también el protagonista de la obra William de Baskerville) había entrado en una fuerte controversia con la cúpula papal al cuestionar el derecho de propiedad como parte del derecho natural. En general, el pensamiento de William de Ockham apuntaba a desmontar la estructura jerárquica de la Iglesia eliminando el papel del clero como intermediario entre Dios y los hombres. Es más, ponderaba la intelectualidad y la ciencia como medios para conocer la verdad y explicar el mundo. Evidentemente, estas ideas le valieron la acusación de hereje, motivo por el cual huyó hacia Alemania antes de conocerse el dictamen final del tribunal de inquisidores.

En la historia contada por Umberto Eco, varias personas representando tanto al cuerpo papal (por entonces radicado en Aviñón, Francia) como a la Órden Franciscana, acuden a una abadía (monasterio) en el norte de Italia para realizar un debate en el que se discutiría el rol de la Iglesia y la postura a tomar como institución respecto a la acumulación de la riqueza.
Está claro que a lo largo de la historia ha tenido una victoria rotunda la parte que creyó desde siempre que la Igesia debía ser rica, ¡y vaya qué riqueza!, con todos esos viejos viviendo en el estado más rico del mundo, El Vaticano, lejos de la gente y la realidad, en sus palacios que no son más que templos de ostentación. Y me muerdo la lengua (o me ato los dedos) para no hablar (o escribir) de política, donde el rol que ha tenido la Iglesia como institución ha sido sencillamente nefasto (¡Ah! y también voy a evitar tocar el tema de la pedofilia).
Bueno pero ya me fui del tema, volvamos a la peli. Decíamos que acudían a la abadía varias personas que ocupaban puestos religiosos relevantes, entre las que se encontraba William de Baskerville. Cuando nuestro protagonista arriba acompañado con su joven discípulo Adso de Melk (Christian Slater), el abad del establecimiento (algo así como la persona que "gobierna" el monasterio) le informa sobre una misteriosa muerte, y conociendo la agudeza e inteligencia de William, le requiere ayuda para develar el misterio. En medio del estupor generalizado de los monjes, suceden dos terribles crímenes más, atribuídos por la gran mayoría a una fuerza diabólica.

William de Baskerville, convertido en una especie de Sherlock Holmes, descubre que las personas muertas tienen un rasgo en común: están interesados en el mismo libro y mueren a causa de él.
Y ese libro no es un libro cualquiera, es el segundo tomo de la obra "Poética" de Aristóteles. Esta obra estaba compuesta por dos libros: el primero dedicado a la tragedia y el segundo a la comedia. Este último perdido misteriosamente desde la Edad Media. Nada se sabe de él hasta el día de hoy. El libro ausente muestra a un Aristóteles distinto al apropiado por la doctrina oficial de la Iglesia. Se torna peligroso para la Teología descubrir que el autor "mira la tierra antes que el cielo" y defiende prácticas y costumbres que para la Iglesia de aquel entonces eran señales heréticas.

Umberto Ecco dota a la trama de la novela de ribetes de thriller policial y de suspenso. El director Jean-Jacques Annaud evita las descipciones históricas y contextuales que abundan en el libro y exalta el misterio, logrando así que la película transcurra con una fluidez que evidentemente no podemos esperar en el libro.
De todas maneras, tanto la novela como la peli giran siempre en torno a un tema central: el ocultamiento de la verdad, el totalitarismo y la imposición de un único modo de pensar. La visión de que todo intento de racionalidad o todo cuestionamiento a las normas divinas constituyen herejías que deben ser penadas con asesinatos ejemplificadores.
Al fin y al cabo, el objetivo de la Iglesia siempre ha sido mantener de alguna forma un regimen, una forma de pensar, que desde la Edad Media han permitido una acumulación de riquezas que probablemente sea la mayor ostentada por institución alguna. Y esto es más grave aún en América Latina, donde la doctrina católica y sus derivadas mantienen millones de fieles sumisos ante la amenaza de la vigilancia de un Dios que carga a los creyentes un poco descarrilados con su lista de retrógrados, hipócritas y absudros pecados.

Ese aparato te invita a morir y te reduce a lo simple de nunca sufrir
Y es así: o te rebelás o te consumís cerrando los ojos, no sirve aplaudir
La hora del miedo, parece llegar y aquí no vale pensar
El señor, La Vela Puerca

Pero lo más interesante de El nombre de la rosa es que nos deja pensando, al menos a mi me sucedió eso, y llevó a que reflexione sobre tanta información histórica que nos regala El nombre de la rosa intentando relacionarla con la actualidad.
Mientras escribía este texto y buscaba info sobre la Órden de los Franciscanos, me preguntaba si en la actualidad ese grupo seguiría obrando con la austeridad y la coherencia de la época descripta en la historia. Y la verdad que no lo sé. Será que los Franciscanos siguen pensando que la iglesia debe estar al lado de los pobres y los oprimidos, integrando a los marginados, ayudando y colaborando con los que más necesitan en lugar de estar al lado de los opresores y avalar sus prácticas. Pensaba también en figuras como el padre Enrique Angelelli o el sacerdote Carlos Mugica, o en doctrinas como la Teología de la Liberación o el Movimiento de Sacerdotes para el Tercer Mundo ¿ellos tendrían algo que ver con los Franciscanos? Busqué, pero no encontré ninguna relación. ¿Se habrá desdibujado esta Órden absorbida por el "establishment" del clero?

También pensaba sobre el tema del ocultamiento y la destrucción de la información. Es claro que en la Edad Media la Iglesia conecentraba el poder absoluto sobre todas las actividades humanas, pero en particular pensé en la información, un tema de moda por estos días puesto en el tapete por la Ley de Medios Audiovisuales promulgada en Argentina. Pensaba por qué si hoy condenamos sin dudar el ocultamiento de información, la destrucción de libros, manifiestos, el asesinato de pensadores, etc., realizados por el monopolio de la Iglesia en la Edad Media y su Santa Inquisición; y es universalmente aceptado que gracias a estas conductas la Edad Media se transformó en una época oscura, chata, donde la humanidad se atascó; entonces por qué no podemos también condenar hoy día los monopolios mediáticos informativos. Por qué no aprendimos que es buena la diversidad de opiniones, que en la disidencia se construye. Por qué no sabemos que ocultar información es mentir y si lo hace un medio de comunicación, es censurar.
Falta el espiritu crítico. Faltan las posturas cuestionadoras, la irreverencia. Actitudes que nos hicieron avanzar como humanidad, como sociedad. Su carencia no hace más que delatar la realidad de un mundo cada vez más desigual y frívolo, con nuestra asquerosa condescendencia.

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La corporación

Título original: Le couperet
Dirección y guión: Costa-Gavras
Interpretación: José Garcia (Bruno Davert), Karin Viard (Marlène Davert), Geordy Monfils (Maxime Davert), Christa Theret (Betty Davert), Olivier Gourmet (Raymond Mâchefer)
Puntuación: 7/10
Género: Drama
Países: Bélgica, Francia y España
Duración: 118 min
Año: 2005

Los uruguayos de alguna manera deberíamos estar agradecidos a Costa-Gavras. Este director, guionista y productor greco-francés puso en el tapete mundial la situación política y social que se vivía en Uruguay a finales de los años 60 y a través de ello denunció también lo que sucedía en América del Sur, una región usualmente ignorada, menospreciada y excluida de los temas de relevancia de opinión mundial.
La película Estado de sitio, por supuesto prohibida por aquellos años en Uruguay, narra un hecho verídico: la llegada de Dan Mitrione al país y su secuestro y posterior fusilamiento por parte del MLN-Tupamaros al fracasar el intercambio del prisionero por algunos presos políticos del movimiento. Dan Mitrione era un funcionario del FBI con un historial nefasto. Su prontuario contaba con una lista interminable de apoyos a los golpes de estado alentados por EEUU en América Latina. Conocido por proveer armamento y entrenamiento a las policías locales con el fin de instaurar la tortura y la consecuente violación a los derechos humanos como forma de combatir la guerrilla, siempre contando con el apoyo de los gobiernos títeres elegidos en muchos casos en condiciones fraudulentas.
De esta forma, una personalidad con prestigio mundial como Costa-Gavras denunciaba en las grandes salas del mundo la manera en que EEUU accionaba en aquellos tiempos (no muy diferente a la actualidad), propiciando el terrrorismo de estado y las dictaduras, siempre en nombre de la democracia y la libertad.

Después, perdí la pista de los trabajos de este director. Ni siquiera había visto otras películas de él, hasta que me topé con La corporación.

En esta peli, Costa-Gavras relata la historia de Bruno Davert, y a partir de la vida de este personaje reflexiona sobre la sociedad actual.

Cuando Bruno Davert, un ejemplar empleado que llevaba una carrera ascendente en una empresa papelera es sorpresivamente despedido ante los recortes de personal, su vida comienza a desmoronarse paulatinamente. Conforme el tiempo pasa y las entrevistas se suceden, la ilusión inicial de aplicar a un puesto de trabajo prestigioso se desvanece. Es así, que ya sumido en la desesperación e inmerso en una crisis familiar, luego de tres años, decide sin más, comenzar a asesinar a todo aquel competidor que crea calificado para aplicar a los puestos aspirados por él, que en particular está obsesionado con un puesto en la empresa Arcadia.

El comienzo de los asesinatos es narrado con toques de humor negro, pero luego todo se va transformando en una situación patética y triste que invita a pensar sobre el mundo laboral y sobre aquello que estamos dispuestos a relegar y a hacer para mantener cierto prestigio e imágen, a cambio de un regimen laboral que a esta altura se asemeja a la semi esclavitud.

Poco a poco Bruno Davert (interpretado de manera excelente por José Garcia) se transforma y se perfecciona a sí mismo. Ahora ya es un asesino serial frío, lógico, calculador, aunque en apariencia es un exitoso señor, sostén de familia, poseedor de una presencia elegante y de conducta intachable. Ni siquiera la policía puede dar con la pista de los feroces crímenes, que seguramente se atribuirán a algún mal viviente inmigrante.
Aquí no se asesina por deseo sexual, por revancha, por ideología, se asesina para llegar a un objetivo individual, propio. El fin que justifica los medios en una sociedad donde tanto el fin como los medios están totalmente putrefactos.

La corporación posee algunas falencias. Claramente se comete un exceso incluyendo algunas escenas innecesarias, repetitivas y a veces, tediosas. También podemos encontrar algunas inconsistencias en el guión, y algunas vueltas que no aportan a la trama y la alargan. Quizás por esto no acaba de ser una obra redonda, de todas formas, Costa-Gavras propone una mirada realista y ácida de los tiempos contempóraneos, enfocándose en el mercado laboral, haciendo hincapié en el trabajador, que lejos de dignificar y enaltecer su tarea, su rol fundamental como motor de la economía y la producción, ha mutado para ser un producto más, entregado casi sin resistencia al imperio del capital.

La corporación me recuerda a algunos personajes de mi vida diaria. Cuando veo a algunos tipos que trabajan en la empresa donde yo trabajo, pienso, qué harían si en cuestión de minutos, de un día para otro, la empresa decide prescindir de ellos, utilizando como argumento, por ejemplo, que en India la mano de obra es más barata, o porque simplemente los señores que la dirijen deciden que ya han ganado suficiente dinero. Me pregunto como sobrellevarían una situación así esos pobres tipos, que viven entregados al trabajo, que desperdician sus días sin siquiera cobrar horas extras, que están orgullosos de ponerse la camiseta y que son explotados de manera flagrante con su complacencia y colaboración.

¿Está muy lejos de la realidad lo planteado por Costa-Gavras? Yo creo que no tan lejos. La obsesión por mantener un estatus absurdo, a cualquier precio. La necesidad de crear y sostener una imágen de hombre exitoso, estereotipo impuesto desde todos los estamentos sociales y apoyado fundamentalmente desde los medios de comunicación que imponen sus modelos y bombardean con mensajes que hace tiempo dejaron de ser subliminales.

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Las invasiones bárbaras

Título original: Les invasions barbares
Dirección y guión: Denys Arcand
Interpretación: Rémy Girard (Rémy), Stéphane Rousseau (Sébastien), Marie-Josée Croze (Nathalie), Marina Hands (Gaëlle), Dorothée Berryman (Louise), Johanne Marie Tremblay (Constance), Yves Jacques (Claude), Pierre Curzi (Pierre), Louise Portal (Diane), Mitsou Gelinas (Ghislaine)
Puntuación: 9/10
Género: Drama
Países: Canadá y Francia
Duración: 99 min
Año: 2003
Premios: Ganadora de un premio Oscar 2003 a mejor película extranjera. Ganadora en Festival de Cannes de los premios mejor actriz (Marie-Josée Croze) y mejor guión.(Denys Arcand)

Casi veinte años después, Denys Arcand filmó Las invasiones bárbaras, secuela de su exitosa La decadencia del imperio americano, del año 1986 y ya comentada en todas mis pelis. Y parece que el paso de los años le cayó muy bien a este director y guionista porque Las invasiones bárbaras es una rara excepción a la regla que establece que segundas partes nunca han sido buenas. En este caso, Denys Arcand se despacha con una obra brillante, que supera ampliamente a la primera.

Aquellos viejos personajes tan queribles presentados en La decadencia del imperio americano, un grupo conformado por pseudo intelectuales y pequeños burgueses de tendencia progresista, crecidos en la agitada década del 60, a veces inmaduros y casi monotemáticos, han sufrido el paso del tiempo. Sus personalidades y vidas se han amoldado casi por obligación a una sociedad que en veinte años cambió diametralmente valores y principios sin cuestionamientos y a una velocidad asombrosa. A través de ellos, Denys Arcand nos muestra la añoranza de un tiempo pasado mejor. Cada charla entre los viejos compinches entrega un sinfín de recuerdos que idealizan un mundo que probablemente ni siquiera haya existido. Parecen recordar una época donde se valoraba y se estimulaba la intelectualidad por sobre casi cualquier aspecto, y a la vez, esta era una garantía de ascendencia social. Clara contraposición con la actualidad, donde nos encontramos sin rumbo vagando en una vida frívola, individualista, desigual, siempre pautada por los signos distintivos del capitalismo y la globalización.

Entonces Denys Arcand reunirá a los viejos compañeros en torno a Rémy para narrarnos el fin de su vida. Rèmy, el personaje principal, es un viejo profesor de historia aquejado por cáncer terminal. Lo interesante de esta situación radica en la forma en que se aborda un tema complejo como la muerte y las últimas horas de vida. Se hace un planteamiento desdramatizado e inteligente, evitando los clásicos golpes bajos arteros y cursis.
Las reuniones con los amigos, en la cama del hospital o en cualquier otro lugar siempre están repletas de anécdotas, mezclando melancolía y nostalgia. Recordando los buenos años y discutiendo sobre pasado y presente logran olvidarse y reirse de los dolores e ignoran a la propia muerte.

También acuden al hospital el hijo de Rèmy y su esposa. Sebastien es un exitoso empresario que opera en la bolsa y reside en Londres. Todo lo puede comprar y vender. El nuevo rico actúa y vive de esta manera y piensa que es lo correcto. Es así que soluciona los múltiples problemas relativos a la internación de su padre de forma práctica y rápida. Se encarga de las medicinas, el alojamineto hospitalario y otras cuestiones. Sebastien va por la vida sobornando a todos para abrirse camino, sin implicancias éticas para él, pero tampoco para los comprados. Por esto, no es raro que las escenas protagonizadas por padre e hijo posean una carga de tensión importante. En las discusiones entre ambos se aprecian sus marcadas diferencias. Además del conflicto generacional, éstos personajes tienen ideologías antagónicas, modos de vivir incompatibles, escalas de valores muy diferentes y mucho que reprocharse de su pasado. Dificultades que en el contexto de una enfermedad terminal deberán matizar, para que ambos intenten concretar un reencuentro que se deben hace tiempo.

Denys Arcand no ahorra críticas. Además de abordar como temas fundamentales de su obra la contraposición ideológica expresada en los personajes de Sebastien y Rèmy, y la forma de tomar la muerte (y la vida); también se tratan otras cuestiones muy importantes, como la eutanasia, el sistema de salud y la drogadicción.
En particular la visión del sistema de salud de Canadá resulta tenebrosa, desde todo punto de vista. La infraestructura, la capacidad profesional y la burocracia gremial, son atacadas por el director sin concesiones. De las negociaciones que Sebastien lleva adelante con el gremio resultan escenas tragicómicas.
El tema de la adicción a la droga surge cuando Rèmy comienza a utilizar heroína de forma terapeutica. Cabe preguntarse a raíz de esto si la heroína podría sustituir a la morfina para enfermos terminales. Está demostrado que tiene un efecto mejor en el paciente, teniendo como desventaja la creación de dependencia, pero para el caso de enfermos próximos a morir debiera discutirse seriamente si este punto es realmente importante. Volviendo a peli, en este contexto hace su aparición un personaje muy importante, Nathalie, la hija adicta de una de las amigas y amantes de Rèmy. A cambio del mantenimiento de su propio consumo, ella se encargará de comprar la heroína para el tratamiento del enfermo. Nathalie y Rèmy construyen una estrecha relación y sus diálogos sinceros y profundos, casi siempre desarrollados en el momento de la inyección, constituyen un punto alto en Las invasiones bárbaras.

Pero si hay algo que me fascinó de la peli son los diálogos intelectualoides. Disfruté muchísimo de las charlas, nunca exentas de autocrítica, entre esos viejos que han sido arrastrados a la locura de la modernidad, un poco por su responsabilidad y un poco por la marea (por las invasiones).
La teoría de los "ismos" y el "cretinismo", sobre el final de la peli me pareció sencillamente excelente (transcribo el diálogo al final de este comentario), asi como también la teoría de la intelegencia colectiva (adjunto video youtube en el final)
Cabe destacar también que Rèmy protagoniza otra escena brillante cuando hace referencia a la "Leyenda Negra" de España y Portugal, reaccionando ante palabras de una monja enfermera que le comenta inocentemente sobre el flagelo de la violencia en el mundo actual. Rèmy le recuerda vehementemente que los españoles y portugueses borraron del mapa durante el siglo XVI a 150 millones de indios en América Latina con el beneplácito y el impulso de su religión, 50 millones más en Norteamerica a manos de franceses, ingleses, holandeses y sus desecendientes, mientras que las guerras y deportaciones del siglo XX apenas eliminaron a unos 130 millones de prójimos. "La historia de la Humanidad, hermana, es una historia de horror..."

Las invasiones bárbaras invita a reflexionar, sobre todo a través del personaje de Sebastien y su modo de vida, tan identificable con tanta gente. Ante tanto yuppie y nuevo rico cool, empresarios con fortunas heredadas o construidas dudosamente, amasando sus millones ostentosamente, erigidos como paradigmas de éxito por los medios de comunicación; no puedo dejar de preguntarme si es esto lo que realmente queremos para nuestra sociedad, para nuestra vida. Si vamos a seguir siendo comprados por una módica suma sin menor resistencia y autocrítica; o quizás, podamos intentar la búsqueda de un camino propio y alternativo, menos ficticio, sincero y en definitiva, digno.
Yo creo firmemente que aún no todo está perdido, seguramemnte algo parecido a lo que debe opinar Denys Arcand, a juzgar por la aparición de un par de personajes que nos transmiten que aún podemos cambiar algo. Nathalie, la drogadicta por fuera de todo y con ansias de recuperación, y una ex alumna de Rèmy que rehusa el pago de Sebastien por una visita al hospital con el objetivo de levantar el ánimo de su antiguo profesor, abren una luz de esperanza que permiten que sea al menos un poquito optimista: la lucha por cambiar el mundo no se ha finalizado con la generación del 60.
"Todo no se compra, todo no se vende. Tengo una lista interminable de cosas más importantes que la seguridad".
Declaración de principios de Tanguito (interpretado por Fernán Mirás) en Tango feroz (Marcelo Piñeyro, 1993)

Diálogo sobre "Cretinismo"
REMY: Lo he sido todo. Es increíble. Separatista, independentista, soberanista, soberanista-asociacionista.
PIERRE: Al principio empezamos siendo existencialistas.
MUJER 1: Leímos Sartre y Camus.
HOMBRE 1: Después tuvimos a France Fanon, y nos volvimos anticolonialistas.
REMY: Y leímos a Marcuse y nos volvimos Marxistas.
PIERRE: Marxistas-Leninistas.
HOMBRE 2: Trotskistas.
MUJER 2: Maoístas.
REMY: Después con Solzhenitsyn cambiamos de idea y nos volvimos estructuralistas.
PIERRE: Situacionistas.
MUJER 1: Feministas.
HOMBRE 1: Deconstruccionistas.
PIERRE: ¿Hay algún "ista" que no nos haya gustado?
HOMBRE 1: El Cretinismo.
REMY: Dios mío. No, acuérdense de Guo Jing.
HOMBRE 2: ¿Quién era Guo Jing?
HOMBRE 1: Una Arqueóloga con falda abierta hasta arriba de la pierna.
HOMBRE 2: Hasta tú te acuerdas.
REMY: Al final de los setenta, China se abre al Occidente. Guo Jing vino a Montreal en un intercambio cultural. La Universidad envío a su izquierdista radical, yo... Entro en el comedor de su hotel, la veo y me muero. Una belleza que haría fundir hasta los 7,000 guerreros de barro del Emperador Quin. Pedí un té, hablamos de banalidades. Yo ya me veía haciéndole la "canasta de Pekín".
PIERRE: ¡No, la palanca de Sichúan!
REMY: En fin, ya frente a ella, para hacerme el interesante le digo: "Es extraordinariolo que ocurre en su país." "¡Cuánto los envidiamos! ¡Su Revolución Cultural es formidable!" En ese instante vi la expresión de sus bellos ojos negros. Y me pregunté preocupado en qué estará pensando..."¿O es un agente provocador de la CIA o es el peor idiota del mundo Occidental." Y optó por la segunda.
PIERRE: Adiós a la "canasta" y a la "palanca".
REMY: Durante 2 años estuvo limpiando corrales de cerdos en una granja de re-educación laboral. Su padre fue asesinado, su madre se había suicidado. Y un tonto Franco-Canadiense que porque había visto las películas de Jean-Luc Godard y leído Philippe Sollers ¡decía que la Revolución Cultural China era formidable! El Cretinismo no podía caer más bajo.

Trailer de Las invasiones bárbaras


Escena de Las invasiones bárbaras donde se explica la teoría de la intelegencia colectiva




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