La marcha sobre Roma

Título original: La marcia su Roma
Dirección: Dino Risi
Guión: Ghigo De Chiara, Sandro Continenza, Agenore Incrocci, Ruggero Maccari, Furio Scarpelli, Ettore Scola.
Interpretación: Vittorio Gassman (Domenico Rocchetti), Ugo Tognazzi (Umberto Gavazza), Roger Hanin (capitán Paolinelli), Mario Brega (Mitraglia), Antonio Cannas (Zafreghin), Angela Luce (la contadina), Gerard Landy (Bellinzoni)
Puntuación: 8/10
Género: Comedia
País: Italia
Duración: 94 minutos
Año: 1962

El ascenso del fascismo

La entrada anterior de tmp, Vincere, muestra tras la historia de Ida Dalser (una de las amantes de Benito Mussolini con la cual habría tenido un hijo), la mutación ideológica del Duce con su consecuente abandono de las filas socialistas y la fundación del Partido Fascista, así como también algunos rasgos distintivos de su personalidad, como la ambición por el poder, su particular carisma, su fuerte convencimiento y su lucha constante por imponer sus ideas.

Tal como se reseñó en el comentario de Vincere, el fascismo cuenta con un cuerpo ideológico que data desde principios de siglo XX, y conjuga diversas tendencias (nacionalismo, revisionismo marxista y futurismo), independientemente de la emergencia de Mussolini como líder; sin embargo, fue la figura de éste, un elemento determinante a la hora de sintetizar las distintas corrientes, y dar forma a un partido cuyo programa inicial de 1919 resulta tan revolucionario como sorprendente. Con el Duce escindido recientemente del partido socialista y aún fuertemente influido por las tendencias marxistas que integraban el movimiento, fascista, el programa presentado para las elecciones tuvo un claro tinte socialista. Se pueden chequear las principales propuestas siguiendo este link.

Conviene situarnos espacial y temporalmente para comprender mejor la trama de La marcha sobre Roma. En la ciudad de Milan en 1919 aún resuenan los ecos de la primera guerra mundial donde el discurso de la "victoria mutilada" cuestionaba seriamente los escasos beneficios territoriales obtenidos por Italia luego de participar del lado del bando ganador y cobraba cada vez más adeptos. Por otro lado, la crisis económica golpeaba fuertemente en el nivel de vida de los sectores medios y bajos, a la vez que se acrecentaba la ola de huelgas y las tomas de fábricas por parte de una clase obrera que apreció la plausibilidad de la revolución proletaria a partir de la experiencia bolchevique de 1917.

En este contexto la clase política tradicional aparecía cada vez más desprestigiada, no pudiendo siquiera asegurar algunos pilares básicos constitutivos del sistema demócrata liberal que se había impuesto sobre la monarquía a fines del siglo XIX en varias naciones europeas. Me refiero fundamentalmente a la propiedad privada de los medios de producción y de las tierras, fuertemente amenazados ante el avance de la colectivización promovida por el socialismo; y también al mantenimiento del orden, al respeto por la ley y la seguridad ciudadana a cargo de los aparatos represivos estatales que ya no lograban frenar las acciones de los sindicatos y de la clase obrera en general.

Ya en el comienzo de La marcha sobre Roma, vemos como Doménico (interpretado Vittorio Gassman), uno de los protagonistas de la película, rápidamente se pliega al movimiento fascista. Mientras vaga por las calles de la ciudad, aquel desocupado se topa con capitán Paolinelli, jefe de su regimiento durante la Primera Guerra Mundial. Doménico es cooptado por el capitán, quién lo compromete a participar del movimiento; lo convence, almuerzo mediante, con el atractivo programa inicial del partido. Inmediatamente aparece en un acto proselitista, en las afueras de Milan de cara a las elecciones de 1919, donde se produce un enfrentamiento entre fascistas y socialistas, hecho bastante frecuente por esos años. Doménico huye de la reyerta y en su trayecto encuentra a Umberto (Ugo Tognazzi), el otro protagonista de la película. Ambos poseían un pasado común, habían sido compañeros en el mismo frente de batalla, y también compartían un presente plagado de penurias económicas, sin empleo y sin perspectivas favorables.

En un principio Umberto se muestra reacio ante la invitación de Doménico para sumarse al movimiento, pero basta con que éste le acerque el programa para que, a través de los puntos que clamaban por la repartición de las tierras y la abolición de la corona, se sume al fascismo.

Éstos compañeros inseparables, Doménico y Umberto, integran nuestra pareja fascista,protagónica, dos estereotipos del italiano medio de aquella época, representantes de una sociedad que mezclaba aspectos de campo y ciudad. Doménico, de origen urbano, cuenta con una personalidad vivaz, es muy simpático, charlatán y un tanto holgazán; mientras que Umberto, de origen rural, representa a un personaje más apegado a valores tradicionales, siente un gran respeto por la familia, la religión y el trabajo. Justamente estas características harán que Umberto se mantenga en una postura expectante y vigilante respecto de los puntos propugnados en el programa fascista, desdeñados a medida que avanza la historia a raíz de las alianzas que, luego del fracaso electoral de 1919, la cúpula del partido teje con ciertos sectores de la derecha más rancia y reaccionaria.

Doménico y Umberto conforman una pareja despareja, clásico recurso humorístico, donde el dúo de personajes opuestos llenan de ironía cada diálogo y cada escena de la película. Pero también, tras estos simpáticos personajes cuya filiación política parece mas bien inexistente, subyace la manera en que el fascismo aprovechó la coyuntura social y económica de la Italia de posguerra para acercar al movimiento a un cúmulo de personas distantes en lo cultural e ideológico de los principios propuestos inicialmente por el partido. Es así como oportunistas, desclasados, apolíticos, etc. fueron atraídos por una propuesta moderna, vigorosa, vanguardista, y sobre todo, opuesta tanto a los rojos comunistas, como a los viejos y decadentes partidos liberales que habían gobernado la nación sumiéndola en una profunda crisis social, cultural y económica.

Por otro lado, también llegaron al partido excombatientes, mano de obra desocupada de la primera guerra atraídos por el fuerte tono nacionalista del programa y por el discurso que reivindicaba a aquellos hombres que valientemente habían dado el triunfo a Italia, y ahora se encontraban casi en la carestía. Estos grupos, representados en la película por el personaje Mitraglia, fueron los que dieron al movimiento su tono militar y sus rasgos violentos, creando los squadrisiti, portadores de su clásico atuendo distintivo: camisa negra con calaveras y gorro negro. Umberto y Doménico forman parte de esta agrupación paramilitar, casi sin querer y sin percatarse se encuentran marchando hacia Roma para reclamar al rey (Víctor Manuel III) el nombramiento de Mussolini como primer ministro.

En el periplo hacia la capital los protagonistas atraviesan varias situaciones, todas ellas retratadas con una buena dosis de humor, donde se aprecia cómo el accionar fascista resultó facilitado por la absoluta connivencia del aparato represivo estatal, que les otorgaba libertad para amedrentar, torturar y matar a todos aquellos considerados antifascistas. Esta complacencia se debió en parte a que las fuerzas represivas poseían muchos miembros comunes con los squadrisiti, y también gracias a un adversario común, el socialismo.

Es muy importante una escena donde comienza a producirse el punto de inflexión que llevará a la pareja a abandonar definitivamente el movimiento. Se trata del momento en el que ambos, en soledad, deben comportarse como genuinos fascistas, castigando a un viejo juez que un tiempo antes los había juzgado por una trifulca callejera con los socialistas: el profesor Bellinzoni.

Cuando Doménico y Umberto irrumpen en el hogar del veterano, éste los sorprende atendiéndolos con mucha amabilidad, de manera respetuosa y educada. Comprende rápidamente la intención de la visita y sin necesidad llegar a la agresión física toma el aceite de ricino (el castigo más leve que aplicaban los squadisiti), mientras tanto argumenta los motivos por los que repudia la ideología fascista. Se produce aquí la escena con mayor carga de tensión de la película. Estupefactos y avergonzados, los agresores se marchan pacíficamente del hogar del indefenso anciano, que minutos antes había descargado sobre ellos algunos conceptos que permanecerían resonando en sus cabezas; y por qué no, palabras que también quedan golpeando en la conciencia del espectador: “Cuando el fanatismo sustituye a la razón el camino está lleno de engaños ….uno cree amar su propia patria sólo si ésta patria es un país donde todos piensan igual. Y por eso acaba amando una patria de esclavos, y no se da cuenta de que él mismo es un esclavo”.

Es Umberto el que a partir de este episodio y éstas palabras, un tanto aleccionadoras, comienza a cuestionarse sobre la naturaleza del movimiento del que participa. Sin embargo, Doménico parece estar más decidido y tener una postura más firme y favorable hacia el fascismo, cree que la pertenencia al grupo ha sacado a ambos del pozo en que se encontraban sobre el fin de la guerra, los ha colocado en el centro de un movimiento político moderno, donde se sienten escuchados y entendidos. Estos sentimientos de Doménico para con el movimiento pueden extenderse a una capa de la sociedad que se encontraba marginada en los años de posguerra y que pedía a gritos mayor participación en la vida social, cultural y política de la nación. El fascismo transformó a esos olvidados en hombres, les dio voz y participación, algo que no habían encontrado en ningún otro espacio de la sociedad: “Un hombre necesita sentirse fuerte, sentirse alguien … es por eso que me gusta el fascismo” le dice Doménico a Umberto.

El director Dino Risi, utiliza la comicidad y el humor para decir las verdades más duras y mostrar que el fascismo no fue un fenómeno inevitable; recalca la responsabilidad que le correspondió a la clase política de aquella época, algo que queda totalmente plasmado en la última escena de la película a través del diálogo irónico que mantiene el rey con un alto dirigente. El sistema político intentó absorber al movimiento fascista, institucionalizarlo tal como había hecho con ciertos izquierdistas devenidos en "reformistas", incorporarlos al sistema para debilitarlos y eliminar cualquier vestigio violento y revolucionario. Sin embargo, el fascismo, a pesar de haberse mostrado como un partido político respetable y conservador (lo cual no fue más que una estrategia para ganar respeto y módicas colaboraciones de los grandes burgueses y aristócratas), poseía un proyecto alternativo de sociedad, que buscaba subvertir el orden establecido, y que pronto desecharía a los dirigentes que habían posibilitado su ascenso; dirigentes a los que corresponde al menos el adjetivo de ignorantes, porque no consideraron seriamente el proyecto de país que proponía el fascismo; un proyecto revolucionario que clamaba por la modificación total de las relaciones sociales, aspirando a una participación activa, duradera y comprometida de las grandes masas.

Pronto, el régimen fascista intentaría deshacerse de aquellos hombres e instituciones que representaban la sociedad moderna y liberal (el parlamento, el régimen republicano, los organos estatales); así como también de las viejas estructuras que aún pervivían desde épocas monárquicas, y que en Italia tenían una gran influencia y tradición, como la iglesia, los señoríos rurales y la corona.

Fragmentos de La marcha sobre Roma




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Vincere

Dirección: Marco Bellocchio
Guión: Marco Bellocchio y Daniela Ceselli
Interpretación: Filippo Timi (Benito Mussolini), Giovanna Mezzogiorno (Ida Dalser), Michela Cescon (Rachele), Fausto Russo Alesi (Riccardo Paicher), Pier Giorgio Bellocchio (Pietro), Corrado Invernizzi (doctor Cappelletti), Paolo Pierobon (Giulio)
Puntuación: 7/10
Género: Drama.
País: Italia.
Duración: 128 min.
Año: 2009.


Ida, Benito y Albino

Hace poco un profesor de historia nos decía "un fascista no es un burgués y mucho menos está asustado", en clara alusión a la frase de Bertolt Brecht, repetida hasta el hartazgo por estos días.
Y es verdad, basta con rastrear los orígenes de esta ideología, para comprender que el programa del movimiento fascista está constituido por un conjunto de principios bastante coherente y fundamentado, para nada menospreciable, cuyo objetivo final es la revolución entendida como un cambio radical de la organización social.
Por tanto, un fascista nunca podría ser un burgués, que por la mera pertenencia a su clase privilegiada poseedora, no buscaría subvertir el orden social, y tampoco podría estar asustado, ya que un fascista reivindica la violencia y la acción directa como una actitud necesaria, purificadora, natural, que jeraraquiza a la vez que unifica a la comunidad nacional.
La acepción está totalmente deformada y el término se aplica despectivamente a cualquier conservador, tradicionalista, ultra religioso, racista o jefe de gobierno de la ciudad Buenos Aires; gente despreciable que abunda, fachos. Pero desde el punto de vista histórico, el término fascista debe definirse mejor.

Vincere relata parte de la vida de Ida Dalser. Una historia que fue descubierta recientemente y que involucra a Mussolini directamente. La revelación vino de la mano del documental El secreto de Mussolini (Fabrizio Laurenti y Gianfranco Norelli), que prueba con testimonios esta historia secreta.
Ida Dalser fue amante de Benito Mussolini, al parecer desde el año 1907, cuando el joven Duce militaba para el partido socialista y escribía en el órgano de prensa del partido: Avanti.
La relación se prolongaría hasta 1915, con el Duce ya apartado del partido y del diario, habiendo participado unos meses en el frente italiano de la Primera Guerra Mundial. Es que las divergencias ideológicas entre Mussolini y la cúpula de dirigentes del socialismo (de la que él formaba parte) comenzaban a ser insalvables. El tema de la discordia era la postura a tomar sobre la Gran Guerra.
Mientras que por un lado, la amplia mayoría de los socialistas clamaban por la neutralidad a ultranza y llamaban a no participar del engaño de las clases dominantes, que apelando al mito unificador de la nacionalidad buscaban desmovilizar a los obreros; por el otro lado, el Duce y sus pocos seguidores, propulsaban la participación italiana en la guerra del lado de la Triple Entente (Inglaterra, Francia y Rusia), como forma de reivindicar la grandeza de la nación italiana. Creían que la misión histórica del antiguo gran imperio romano consistía en la anexión de tierras, con valentía, honor y sangre. Aborrecían la neutralidad, lo veían como un acto de cobardía inadmisible.

Los fascistas veían en la violencia, en la osadía, en lo irracional, la fuente de purificación de la civilización que llevaría a la unificación nacional en una comunidad naturalmente jerárquica.
Detestaban tanto el liberalismo como el socialismo, ambos herederos de las ideas iluministas predominantes en la intelectualidad del siglo XIX, que situaban en el cento de la civilización al individuo racional y pensante, haciéndolo sumiso, adaptado, alienado, alejándolo de su verdadera escencia. Eran profundamente anticlericales, exaltaban la vitalidad, la juventud, la voluntad del hombre por encima de toda institución y estructura social.

Varias tendencias (nacionalistas, sindicalistas revolucionarios y futuristas) convergerían pronto y crearían oficialmente el movimiento fascista, en el año 1919.
Con un programa cuasi izquierdista se presentaban a las elecciones con un fracaso estrepitoso. En 1921 el resultado sería mejorado notablemente a través de alianazas con grupos derechistas y de la eliminación de los mayores indicios de socialismo de su programa.
Existieron también algunas cuestiones coyunturales que aceleraron la ampliación del movimiento y llevaron a sus dirigentes a solicitar vehemente el derecho de gobernar la nación. Entre ellas podemos mencionar la revolución bolchevique de 1917 junto con las insurrecciones de los izquierdistas italianos entre 1919 y 1920; la "victoria mutilada" haciendo referencia a la escasa recompensa que obtuvo Italia luego de su participación en el bando ganador de la primera guerra; y la incapacidad de la clase política para hacer frente a una situación económica y social desastrosa en el complicado escenario de posguerra.
La ampliación del movimiento alcanzada a principios de los 20's involucró a todos los estratos sociales, pero el núcleo estaba mayormente formado por una clase media emergente que hasta ese entonces no tenía ni voz ni voto, y quería proteger su estatus recientemente alcanzado para no volver a proletariarse.
Con el régimen político italiano en crisis y con la creciente presión fascista, el jefe de gobierno y el rey decidieron, luego de la teatralidad impresionante de la Marcha de Roma en 1922, darle una oportunidad a los fascistas. No esperaban lo que vendría, creían en poder incorporarlos al gobierno y hacerlos respetables y moderados. Al fin y al cabo querían aplicar el mismo método que había resultado exitoso con los marxistas, que ahora devenidos en social democrátas y reformistas ya no exhibían ningún tipo de peligro.
Pero, el fascismo convertido en gobierno, abdicó de gran parte de su programa y recurrió a la violencia sistemática, para paulatinamente cooptar, totalizar, casi todos las instituciones políticas y sociales, llegando a acorralar incluso a estos promotores iniciales, el tradicional poder político, la corona, la iglesia, etc. El régimen creó un gobierno totalitario que unos años después sería superado con creces por las experiencias stalinista y nazista. Pero ésa, ya es otra historia...

Y toda esta palabrería se debe a que Vincere casi no provee contexto histórico. De hecho, no se puede deducir demasiado de la ideología fascista, apenas se deja entrever algo a través de los vaivenes de los discursos mussolinianos. El foco está puesto en Ida Dalser, sobre todo, a partir de la mitad de la obra.

En 1914, Ida y Benito habrían contraído matrimonio. Cuando Mussolini es echado de Avanti, funda el periódico Il Poppolo d'Italia con la invalorable ayuda económica de Ida, órgano de prensa del futuro Partido Nacional Fascista (PNF).
Se presume que en 1915, Ida dió a luz al pequeño Benito Albino. Para ese entonces, el desplante de Mussolini para con Ida estaba consumado.
El Duce se casaría ese mismo año con Rachelle Guidi, su esposa hasta la muerte en 1945. Ida tendría que asumir la crianza de su hijo en soledad.
Cuando Ida es abandonada, las historias de los protagonistas se separan y sólo sabremos del Duce a través de los comentarios de algunos personajes y por los registros de la época (fotos, filmaciones, etc), que se entremezclan con las escenas de Vincere. La desaparición de la vida de Ida, marca el el comienzo del mito Mussolini. La ruptura final de la relación (sucede en una exposición futurista donde Ida increpa al Duce) y marca el comienzo de la ascensión al poder del futuro dicatdor.

Ida se gana la vigilancia pertinaz de los matones fascistas a raíz de algunos episodios en los que reclama al Duce que se haga cargo de la situación y reconozca a su pequeño hijo. Rápidamente comienza a ser perseguida y luego acusada de loca.
Yendo de un psiquiátrico a otro y con su hijo arrebatado por los dirigentes del régimen, Ida se encuentra desesperada. Es eficazmente controlada, su voz es totalmente acallada de manera de evitar cualquier acusación sobre el lider que pudiera socavar su prestigio.
La vida de Ida se transforma en un calvario, a pesar de ello, nunca pierde la esperanza de reencontrarse con el Duce y nunca pierde la admiración por su otrora amante, ahora devenido en inflado, demagogo y vociferante jefe de la nación.

Vincere combina a la fuerza visual y musical. Abundan escenas que combinan estos aspectos, que le dan a la obra un sello distintivo, un toque de ópera. Escenas cargadas de simbolismos, de sentimientos, para los protagonistas, y también para los espectadores.
Por ejemplo la escena donde, ante la entrada italiana en la guerra, un semidesnudo y triunfante Mussolini sale al balcón imaginando una muchedumbre que lo aclama.
O también, los momentos con Ida postrada recordando, donde la peli ingresa a un terreno difuso, deambulando entre la imaginación y la realidad, sin dejar claro qué fue lo que realmente sucedió. ¿El casamiento se realizó o no?. O sobre el final, cuando Benito Ablino aparece imitando a su padre, en soledad, frente a su busto en los pasillos del colegio.

Cabe destacar especialmente la actuación de Giovanna Mezzogiorno, en un papel muy difícil interpretado magistralmente. Ida Dalser fue una mujer abandonada, dolida, que con todas las de perder, que luchó hasta el final de sus días para mantenerse en pie y reivindicar sus derechos. Filippo Timi sale airoso representando a Benito y Albino, también en un papel muy complejo.

Quedan como puntos débiles, el metraje excesivo, algunas escenas innecesarias, por ejemplo cuando aparecen ante Ida las reclusas psiquiátricas, incluso antes de ser internada.
En fin, es una peli con pretensiones de obra maestra, y como tal, hay algunos fragmentos innecesarios, que no aportan y que tienen más que ver con la intención del director que con la historia en sí.
De todas formas, recomiendo acercarse a Vincere y a través de ella, al fascismo. Conviene siempre conocer al enémigo, saber lo que subyace cuándo se propone tal o cual medida política o social, más aún, cuando hay tanto charlatán que pretende opacar la realidad dicotomizándola entre blanco y negro, buenos y malos.

Trailer de Vincere.



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Emule
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No te muevas

Título original: Non ti muovere
Dirección: Sergio Castellito
Guión: Margaret Mazzantini y Sergio Castellito Basado en la novela de Margaret Mazzantini.
Interpretación: Penélope Cruz (Italia), Sergio Castellito (Timoteo), Claudia Gerini (Elsa), Ángela Finocchiaro (Ada), Marco Giallini (Manlio), Pietro de Silva (Alfredo), Elena Perino (Ángela).
Puntuación: 7/10
Género: Drama.
País: Italia.
Duración: 125 min.
Año: 2004.

Muchas películas italianas son tildadas de falta de iniciativa, repetitivas, muy apegadas a la tradición del género comedia/drama que recorre el cine italiano desde el neorrealismo comenzado en los 50's pasando por Fellini y su descollante obra en los 60-70's, llegando a Nani Moretti o Giuseppe Tornatore en la actualidad. Generalizando groseramente, se trata de obras que abordan temas accesibles, reconocibles para muchos por formar parte de nuestra vida cotidiana, comedias costumbristas. Pero además de contar esta pequeñas historias chicas, subjetivas, con tinte melancólico, irónico y sarcástico, esta clase de cine hace subyacer sobre esos relatos en apariencia insignifantes, grandes acontecimientos de la realidad social y política.
El cine italiano, tan difícil de definir (imposible) pero fácilmente identificable, para algunos repetición y tedio de las mismas fórmulas, sin embargo a otros, nos produce regocijo y disfrute.

En No te muevas, una adolescente sufre un grave accidente y es trasladada al hospital donde casualmente trabaja su padre, Timoteo (Sergio Castellito, director y protagonista de la película), un prestigioso médico.
Mientras Timoteo aguarda la intervención de un colega, esperanzado en que Ángela pueda escapar del estado de coma, evoca una historia pasada que revela algunos momentos de una relación amorosa extramatrimonial. Es un amor pasado, doloroso y secreto, que marcó su vida.
Esta especie de charla imaginaria entre padre e hija, retrotrae el curso del guión a unos años atrás para contar el comienzo de aquella historia.

Cuando Timoteo tiene un desperfecto en su auto, en medio de una solitaria ruta camino a un congreso médico, no tiene más opción que acudir a un pueblito cercano y aislado procurando ayuda. Casualmente se topa con Italia (Penélope Cruz), una mujer golpeada, demacrada, media chueca y grosera, para nada atractiva, tanto desde lo intelectual como desde los físico.

Por qué Timoteo se enamora de esta mujer. Por qué descarga en ella su furia, sus sentimientos contradictorios, en un prinicipio utilizando violencia física. Este destacado médico que tiene una carrera brillante, una esposa linda e inteligente (Claudia Guerini), una posición económica envidiable, se enamora de forma inesperada, de la más vencida y desesperanzada mujer.
La relación entre ellos va mutando. Timoteo e Italia, que en un principio habían establecido una vínculo de dominación, donde el médico omnipotente saquea, aprovecha y se sirve, sin que ella puede hacer algo diferente a la sumisión; comienzan a evolucionar hacia una relación más "típica".
En este punto queda bastante descuidado el cambio en el personaje de Italia. Se pone el énfasis en cómo Timoteo percibe y digiere este cambio, cómo articula la relación clandestina y la vida "normal" con su esposa y su trabajo.
Pero la propuesta principal de No te muevas
invita a pensar de qué manera Italia viene a llenar un espacio vacío en la vida de Timoteo. Entre tanta frivolidad rutinaria, un choque con la vida real lo despierta, y poco a poco se enamora de la sureña.

De Italia, poco y nada sabemos, y eso es un falencia del guión. Básicamente, no tiene nada que perder, y eso basta para justificar su accionar.

Penélope Cruz con su personaje de nombre sugerente (Italia, ciertamente invita a la metáfora para conjeturar sobre un país históricamente dividido entre Norte y Sur) deslumbra, da vigor y fuerza al desarrollo de la historia.

Sergio Castellito parece un poco frío en su actuación, pero creo que es una intención deliberada. Una forma de marcar el caracter racional, meditabundo de su persona y de su vida diaria, y contrastarla con sus esporádicos encuentros apasionadas con Italia.

Resumiendo, No te muevas no renueva el clásico conflicto amoroso entre dos personas de diferentes clases sociales y aspiraciones. No ahonda en una minuciosidad a la hora de caracterizar a los personajes que quizás hubiera sido necesaria para explicar por qué Timoteo e Italia no pueden cambiar el rumbo de sus vidas, no pueden librarse de un mundo que se les impone, les cae con todo su peso y los encuadra dentro de ciertos límites convencionales de acuerdo a sus orígenes y formas de vida.
El director parte de la gastada oposición entre personajes de diferentes estratos sociales y le suma algún aderezo interesante, pero no trasciende más allá del melodrama romántico.

Trailer de No te muevas.


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La suerte de Emma

Título original: Emmas glück
Dirección: Sven Taddicken.
Guión: Claudia Schreiber y Ruth Toma; basado en la novela de Claudia Schreiber.
Interpretación: Jördis Triebel (Emma), Jürgen Vogel (Max), Hinnerk Schönemann (Henner), Nina Petri (Dagmar), Martin Feifel (Hans), Karin Neuhäuser (Lene), Arved Birnbaum (Karl).
Puntuación: 6/10
Género: Drama romántico.
País: Alemania.
Duración: 99 min.
Año: 2006.

La suerte de Emma tiene la estructura de un drama romántico, aunque adornada con algunos recursos específicos del entorno donde se desarrolla: una granja manejada únicamente por una joven mujer, solitaria, un tanto hosca y con algunas deudas.
Esta es la pintoresca Emma, rodeada de sus gallinas y sus chanchos (a lo que cría de una forma muy peculiar, con mucho cariño que es expresado por Emma hasta en el momento del sacrificio), vive una vida tranquila, aunque está un poco cercada y acosada por el policía del pueblo.
Pero como decíamos, la obra es un clásico drama romántico, como tantos ya hechos, que ya vimos, quizás contra nuestra voluntad, en alguna tarde aburrida. Es que La suerte de Emma es la típica historia de una pareja despareja, donde uno de los integrantes, Max, es notificado del poco tiempo de vida que le resta a raíz de un cáncer terminal. Por eso, apenas empieza la obra, ya sabemos como terminará; lo que no hace decaer el interés hasta el final.

Max trabaja en un automotora. A raíz de su enfermedad, decide marcharse a algún sitio paradisíaco, así que una noche roba el dinero de su propio lugar de trabajo con el objetivo de huír hacia algún paraíso estando económicamente holgado.
Pero el plan de nuestro protagonista parece fracasar cuando es pescado con las manos en la masa por su socio, lo que provoca una frenética persecución, cada uno en su auto. La aventura termina con un accidente: el auto volcado casualmente en la granja de Emma; sin que su socio pudiera divisarlo.
Ahora, la solitaria Emma, tiene en su vieja granja un hombre inconciente, un auto destruido y una bolsa con mucho dinero.

Entre desconfianzas mutuas y algunos encontranazos transcurre este encuentro, que lenta pero indifectiblemente se transformará en amor y felicidad; atravesando momento divertidos, amargos y emocionantes, algunos valiéndose del golpe bajo; porque es casi imposible no apelar a la emoción tratándose de historias de este tipo.
Y punto; no hay mucho más para decir, quizás la belleza de las escenas finales justifiquen la peli, siempre comandadas por una Emma increiblemente decidida, fuerte, firme, cerrando así una excelente interpretación.

También se podría hacer una lectura un poco más profunda; y poner el foco en algunos temas tocados lateralmente, aunque realmente no creo que sea la intención en La suerte de Emma. Pero, tal vez resulte interesante el choque y contraste que se produce cuando dos visiones de vida diferentes se encuentran. Porque Max y Emma, son dos personas que llevan sus vidas de formas bien distintas. Max, inserto en el modo de vida occidental, globalizado, ése que no es capaz de proveernos plenitud y felicidad, pero que seguimos manteniendo y defendiendo cada día explicita e implícitamente; versus Emma, en su vida solitaria, en un sitio alejado, sin invenciones tecnológicas, sin necesidades prefabricadas. Son personas en las que la felicidad y la infelicidad parecieran pasar por lugares antagónicos, o al menos, difrerentes; tocar otras fibras, y las de Emma siempre parecen las más alejadas de los bienes materiales y más cercanas a los sentimientos, a la pasión. Siempre con esta clase de pelis, me queda esa sensación de que el protagonista enfermo, en este caso Max necesita un golpe para definitivamente percatarse de que la vida se va, enredada entre frivolidades y banalidades. Me pregunto si a todos nos pasará lo mismo o si podremos revertir a tiempo el rumbo de una vida que decididamente, no queremos, pero igualmente, mantenemos.

Trailer de La suerte de Emma


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Cachorro

Dirección: Miguel Albaladejo
Guión: Miguel Albaladejo y Salvador García Ruiz
Interpretación: José Luis García-Pérez (Pedro), David Castillo (Bernardo), Diana Cerezo (Lola), Mario Arias (Javi), Arno Chevrier (Manuel), Josele Román (Gloria), Elvira Lindo (Violeta), Empar Ferrer (Doña Teresa), Félix Álvarez (Dani)
Puntuación: 7/10
Género: Drama
País: España.
Duración: 99 min.
Año: 2004

Siguiendo al actor Sergi Lopez, llegué a El cielo abierto, anteriormente comentada en todas mis pelis, y así conocí al director Miguel Albadalejo. Husmeando en su carrera me interesó Cachorro, sobretodo por el momento que estamos viviendo en Argentina, con la reciente aprobación del matrimonio igualitario, que equipara derechos entre las personas homosexuales y heterosexuales. Han sido, sin dudas, días muy felices, porque finalmente el Estado reconoce esta realidad preexistente a cualquier norma, y desde sus leyes, no legitima la distinción entre ciudadanos de primera y segunda; otorgando a todos, independientemente de su orientación sexual, los mismos derechos, garantizando así las libertades de estas minorías.
Todavía quedan muchos sectores minoritarios de la sociedad con los que hay que equiparar derechos; más arduo aún es el trabajo después de la aplanadora neo liberal que nos azotó en los 90s, arrasando no sólo con el Estado, sino también con los lazos de solidaridad social, promoviendo la creación de mezquinas mentalidades individualistas cuyo universo se reduce al bienestar personal medido en base a la cantidad de aparatos electrónicos, tecnológicos, etc. que se puedan comprar.

Cachorro muestra una realidad, para muchos oculta, una minoría dentro de una minoría: la comunidad de osos, hombres homosexuales con algunos rasgos físicos distintivos que viven su sexualidad y la relación con su propio cuerpo abiertamente, sin inhibiciones. Hombres que escapan a algunos estereotipos comúnmente aplicados a los gays. Además, se afronta la problemática de la adopción; creando así un cóctel que, a priori, me parecía muy interesante.

Y el resultado, si bien es bueno, realmente no llegó a colmar mis expectativas, quizás demasiado elevadas.
Cachorro termina por transmitir un buen mensaje, humanizando, desmitificando a la comunidad homosexual, algo muy valorable, pero a pesar de ello, me quedé con la sensación de que Miguel Albadalejo no llega a explotar el potencial de la historia, y ese cúmulo de buenas intenciones iniciales termina por naufragar.

El desarrollo de la historia comienza cuando Violeta, al partir de vacaciones a India con su novio, deja a su hermano Pedro como encargado de cuidar a su hijo de 9 años: Bernardo.
Es así que el tío oso recibe en su hogar al sobrino, algo que evidentemente provocará una modificación temporal en sus hábitos.

Pedro asume con gusto el desafío, dispuesto a acomodarse a la vida con Bernardo, y es en este segmento en donde Cachorro muestra mayoritariamente pasajes graciosos, valiéndose del recurso de contraponer la nueva y vieja cotidianeidad de Pedro, ahora convertido en un tío responsable ante la incrédula mirada de la mayoría de sus amigos.

Hay un quiebre súbito en la vida de tío y sobrino, a raíz de la noticia de que Violeta se encuentra detenida por tiempo indeterminado en India por tenencia de drogas. Ante la falta del papá, Pedro debe hacerle frente a esta nueva realidad, y lo hace con madurez, responsabilidad, al igual que su grupo de amigos.
Pedro y Bernardo, luego de un principio con algunas complicaciones, poco a poco han construido una relación sólida, muy tierna, compartiendo momentos buenos y malos con sinceridad.
Cuando todo parece tener un buen destino, una presencia tan indeseable como inesperada trastocará esta relación; la aparición de la abuela paterna, que trae a cuestas la bolsa de prejuicios muy habituales en ciertos ámbitos, reclamando por la tenencia del niño. Este hecho abre un abanico de nuevas situaciones, esta vez, con un dejo dramático, que llevarán a un desenlace un poco desabrido

Esta es la historia básicamente, que transita con rapidez de la comedia al drama, y más allá de la homosexualidad de muchos personajes (Pedro y muchos de sus amigos) es una historia que trata de las relaciones humanas.

Librándose de todos los estereotipos difundidos con asiduidad, Cachorro muestra la homosexualidad con naturalidad, a los gays como personas normales, con defectos, virtudes, con sentimientos, en fin, personas como todos nosotros; rompiendo con el modelo de mariquita afeminado simpático, o bien, con el marica promiscuo, retratado desde los medios.

Y es por esto mismo, que los homosexuales, deben gozar de los mismos derechos y obligaciones que el resto, también para la adopción. Este alegato a favor de la igualdad de derechos sin dudas constituye un de los puntos altos de Cachorro; que, sin embargo, por otros lados hace un poco de agua, sobre todo con un guión que quiere tocar muchas temas (homosexualidad, adopción, drogas, HIV, etc) y que acaba por no profundizar demasiado.; con un final que se precipita como a las apuradas.

Trailer de Cachorro.


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La cinta blanca

Título original: Das weisse band.
Dirección y guión: Michael Haneke.
Interpretación: Leonie Benesch (Eva), Josef Bierbichler (encargado), Rainer Bock (doctor), Christian Friedel (maestro), Burghart Klaussner (pastor), Steffi Kühnert (Anna), Ursina Lardi (Marie Louise), Susanne Lothar (comadrona), Gabriela-Maria Schmeide (Emma), Ulrich Tukur (el barón)
Puntuación: 8/10
Género: Drama
Países: Alemania, Austria, Francia e Italia.
Duración: 144 min.
Año: 2009.

Difícil quedar indiferente frente a una obra de Michael Haneke. El director y guionista austríaco ha ido cosechando con cada obra un sinfín de premios que han ayudado a poner sus películas en el tapete, una suerte para nosotros aquí en el sur, que nos ha permitido conocerlo.

Al menos por estas latitudes, Michael Haneke obtuvo su primera exhibición en la gran pantalla con Caché, si bien La pianista (o La profesora de piano) podía conseguirse en video, al igual que Funny Games.
Caché fue mi experiencia iniciática con el director, una de la mejores películas que vi en mi vida. Dura, sobria, totalmente perturbadora y bastante molesta, Caché plantea las inquietudes y malestares de una familia de clase media francesa, que se siente amenazada a raíz de unos extrañas cintas de video recibidos en su propio hogar. Estas cintas tratan sobre ellos mismos, que son filmados en sus cotidianeidad.
Situada en Paris, pero con situaciones perfectamente generalizables a la clase media urbana occidental, tan ocupada por su propio progreso económico, Cache destapa la basura que se esconde tras la fachada del bienestar y que sale a relucir con un hecho tan simple como esas cintas, que insinúan la violación de uno de los pilares de la supuesta felicidad familiar: la seguridad.
Daniel Auteuil y Juliette Binoche reforzaron la potencia de Caché. Lo mismo Isabelle Huppert en La pianista, una peli que explora de qué manera la protagonista, una profesora de piano, traslada y descarga sus frustraciones sobre los demás, en un juego perverso y sádico. En este caso, la desalmada profesora oprimida por la relación con su madre no puede abordar el origen de su infelicidad y construye una enfermiza relación con uno de sus alumnos.

Vayamos a La cinta blanca de una buena vez. Aunque haya mucho para decir sobre esta historia, trataré de no extenderme demasiado.
Filmada en blanco y negro, en un ritmo a primera vista cansino, La cinta blanca desarrolla varias historias, que se se entremezclan y salen a la luz luego de algunos extraños atentados que sacuden un apacible poblado alemán, previo a la Primera Guerra Mundial. Todos los hechos están revividos por un profesor que en aquel entonces tenía unos 30 años, y que situado un tiempo después, coloca su voz en off para narrarlos, mezclándolos siempre con sus vivencias particulares. Son historias a primera vista pequeñas, no muy significativas, pero rápidamente se van entretejiendo, interrelacionando, inmersas en un mundo de sutilezas y detalles que muestran en cada acto, en cada palabra y en cada silencio, un nivel de represión agobiante, que tensiona, sacude e inquieta, a veces mediante violencia física, otras veces con violencia ejercida desde lo psicológico.

La serie de misteriosos atentados son perpetrados primero contra el doctor, luego, contra dos niños secuestrados y torturados, y más tarde, también aparecerá un granjero prendido fuego. Estos atentados, son producto del férreo sistema de vida impuesto por las personas más poderosas del poblado, y aceptado con beneplácito por todos, con la religión como soporte fundamental, imponiendo su dogmática doctrina opresora. Pero a la vez son éstos hechos la excusa para reproducir con severo recrudecimiento una forma de vida que no admite disidencias, con los niños como principal objetivo, sobre los que se descargan todas las frustraciones por medio de castigos, y con la imposición de un modelo de sociedad y una moral que limita, que circunscribe al comportamiento "correcto" y que pretende ocultar la pudrición, la hipocresía y la perversión de una realidad social insostenible, asfixiante, oscura (y la fotografía apoya magistralmente la recreación de este ambiente sombrío).

Con este cuadro de represión explícita e implícita retratado en La cinta blanca, creo que Haneke busca reflejar la formación d el caldo de cultivo que propició el surgimiento del nazismo, aunque ciertamente, creo que los motivos que llevaron al surgimiento del nazismo habría que buscarlos en varias causas (y obviamente Haneke lo sabe); pero el director hace foco en el rol que le correspondió a cada comunidad y a cada individuo como cómplices y como alentadores del surgimiento de los movimientos fascistas de los 30s.

Cómo fue que la violencia, el totalitarismo, pasó a ser la solución a los problemas que emergieron luego de que el sistema capitalista estalló en la Crísis del 29.
Pero no sólo se trata del surgimiento del fascismo, hay que tratar de elevar la mira y entender que Haneke nos pone un espejo, bien actual, nos muestra que la violencia es ejercida, mantenida, desde varios sitios y situaciones, que bajo la apariencia de la apacibilidad, de la felicidad, del bienestar subyacen relaciones violentas, de dominación, de represión, no sólo consagrada en los grandes instituciones, como la iglesia, la policía, etc., sino también en nosotros mismos, en nuestras familias, con nuestros amigos. Somos responsables, como humanos, como especie, de las miserias más grandes, de los comportamientos más hipócritas, que hemos utilizado a los largo de nuestra historia como humanidad, para oprimir a los nuestros en beneficio propio. Y hasta no cambiarnos a nosotros mismos, difícilmente podamos cambiar algo de lo que construimos, ya sea en aislamiento o en sociedad, a pesar de que pregonemos hasta el cansancio cuán progresistas somos.

Trailer de La cinta blanca


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El cielo abierto

Dirección: Miguel Albaladejo.
Guión: Elvira Lindo y Miguel Albaladejo.
Interpretación: Sergi López, Mariola Fuentes, María José Alfonso, Geli Albaladejo, Emilio Gutiérrez Caba.
Puntuación: 7/10
Género: Comedia
Países: España
Duración: 102 min
Año: 2001

El cielo abierto es una comedia romántica. No viene mal de vez en cuando variar un poco la temática de todas mis pelis.

La elección de esta peli tiene que ver con su protagonista: Sergi López.
Conocí a este actor en el año 2000, cuando interpretó a un psicópata en la brillante Harry, un amigo que te quiere bien, una obra de suspenso con toques hitchcocknianos, que tensiona al espectador de principio a fin, utilizando diálogos y generando situaciones, en lugar de valerse de efectos especiales maravillosos e historias increíbles.
Luego vi a este actor catalán (a propósito, ha hecho manifiesto su apoyo al independentismo catalán) con un papel importante en El laberinto del Fauno de Guillermo del Toro, donde interpretó al capitán Vidal, un cruel combatiente de los últimos vestigios de La Republica, en el fin de la guerra civil española. Hace poco leí la noticia sobre su portagónico en la última peli de François Ozon, Ricky.
Así que un buen día me lancé a la búsqueda de El cielo abierto, exhibida casi de manera contemporánea a Harry, un amigo que te quiere bien. Es que por algún motivo se mantenía en mis retinas el afiche promocional que muestra a una pareja feliz. Me preguntaba cómo era posible que este actor que interpretó a Harry o al capitán Vidal, tipos fríos, calculadores, muy odiables; podría actuar con credibilidad y naturalidad en una comedia romántica.
No sé como Sergi López lo logra, pero lo hace. El actor muestra su versatilidad con creces. No es casual que haya ganado diversos premios en Francia y España, y además ha filmado sin parar, mezclando personajes de rostros duros y psicóticos con tipos tiernos y dulces.

En El cielo abierto, Miguel (Sergi López) está sufriendo una dolorosa pérdida afectiva. Es una perfecta víctima amorosa. Este joven psiquiatra ha sido abandonado por Sara que huye en compañía de un ser muy próximo a él mismo.
Repentinamente y sin demasiadas explicaciones su esposa se ha marchado a Tokyo con su amante. Por si fuera poco, su suegra, casi una desconocida para él, se traslada hacia su casa en Madrid con el fin de alojarse durante la realizacón de algunos exámenes médicos, detalle que Sara había olvidado comentarle. Ahora, Miguel no solo debe lidiar con la tristeza, el dolor y la angustia de la separación; sino que también se suma su prepotente suegra, una señora bastante despreciable em principio.

Por el despacho del psiquiatra desfilan una serie de personajes (sus pacientes), algunos bastantes graciosos (aunque creo que se utilizan varios con el único objetivo de "rellenar"). Uno de ellos, Paquito, aprovecha un descuido de Miguel y hurta su billetera, previamente olvidada sobre el escritorio. El psiquiatra se dirije rápidamente al domicilio del chico, donde conoce a Jasmina (Mariola Fuentes), su hermana mayor.
Jasmina trabaja en la peluquería del barrio y realiza trabajos de depilación por su cuenta en casa. Vive austeramente con sus hermanos y sus abuelos y debe hacerse cargo de todos ellos, con su trabajo modesto y armada de mucha paciencia.
Y aquí debo detenerme para resaltar a Mariola Fuentes interpretando a Jasmina. Cada vez que aparece este personaje entrañable, divertido, la peli se llena de vida, se ilumina. Y yo creo que esta es exactamente la intención del director Miguel Albaladejo. De algún modo nos transmite lo que le pasa a Miguel. El apesadumbrado psiquiatra, un tipo estructurado, reservado y con aire bonachón, va cediendo ante la verborrágica Jasmina, su sencillez y su inocencia nos conmueven, como a Miguel.

Hay algunas cuestiones para criticar, sobre todo el cambio brusco del personaje de la suegra (María José Alfonso) que parece poco creíble. A partir de la complicación de su enfermedad comprende que su yerno no es el mounstro que imaginó y sin más, muta en una señora amorosa.

Resumiendo, El cielo abierto es una comedia romántica muy recomendable. Una historia que nos lleva del drama a la comedia suavemente. Un guión sencillo, con personajes tangibles, creíbles, imperfectos, que con frecuencia protagonizan diálogos agridulces, que se asemejan a gags; sobre todo al final de la peli, cuando decididamente el guión toma el rumbo de comedia, teniendo una destacada participación los actores secundarios, como la asistente de Miguel (Geli Albaladejo), y también su amigo ginecólogo (Emilio Gutiérrez Caba).

Sin vueltas innecesarias, con el endulzamiento justo (algo muy sucepetible de ser exagerado cuando se relata una historia romántica), la peli no tiene más pretensiones que el mensaje directo que nos brinda. Y eso es una fortaleza. Aquí no hay moralejas aleccionadoras. Simplemente la sensación de que de vez en cuando vale la pena jugarse, sin importar si es muy rápido, sin importar los consejos de la mayoría; y tomar decisiones, aunque parezcan apresuradas, confiando más en el corazón que en la razón.

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El nombre de la rosa

Título original: Der Name der Rose
Dirección: Jean-Jacques Annaud
Guión: Novela de Umberto Eco.
Interpretación: Sean Connery, Christian Slater, Michael Lonsdale, F. Murray Abraham, Ron Perlman
Puntuación: 8/10
Género: Drama
Países: Italia, Francia y Alemania
Duración: 126 min
Año: 1986


Cuando hace poco cursé una materia que trata sobre epistemología (disciplina que estudia el conocimiento científico), realicé un ejercicio de práctica donde se mencionaba el libro El nombre de la rosa, escrito por el semiólogo y novelista italiano Umberto Eco. En la consigna del ejercicio se explicaba cómo el autor de la novela había introducido varios guiños en su obra relativos a la semiótica (estudio de los signos, su estructura y la relación entre significante y significado) y su historia. De hecho, la resolución de un acertijo que puede relacionarse con la semiología es la clave para el desenlace de la historia.

El personaje protagonista de la obra es William de Baskerville (interpretado por Sean Connery), una clara alusión a William de Ockham, un célebre monje y filósofo franciscano inglés que vivió en el siglo XIV y que es considerado por muchos el padre de la epistemología moderna. Entre sus trabajos más conocidos se encuentra el famoso principio llamado "La navaja de Ockham", que pregona en su versión más simplificada que han de preferirse las teorías más simples a las más complejas, o sea, indica que las explicaciones nunca deben multiplicar las causas sin necesidad.
Como dijimos, William de Ockham fue un monje franciscano. La Órden Franciscana, que había sido reconocida por la Iglesia unos pocos años antes del momento en que está situada la obra, es una órden mendicante. Esto significa que sus miembros hacen voto de pobreza, renuncian a todo tipo de propiedades o bienes, ya sean personales o comunes. Viven mantenidos sólo por la caridad.

William de Ockham (y también el protagonista de la obra William de Baskerville) había entrado en una fuerte controversia con la cúpula papal al cuestionar el derecho de propiedad como parte del derecho natural. En general, el pensamiento de William de Ockham apuntaba a desmontar la estructura jerárquica de la Iglesia eliminando el papel del clero como intermediario entre Dios y los hombres. Es más, ponderaba la intelectualidad y la ciencia como medios para conocer la verdad y explicar el mundo. Evidentemente, estas ideas le valieron la acusación de hereje, motivo por el cual huyó hacia Alemania antes de conocerse el dictamen final del tribunal de inquisidores.

En la historia contada por Umberto Eco, varias personas representando tanto al cuerpo papal (por entonces radicado en Aviñón, Francia) como a la Órden Franciscana, acuden a una abadía (monasterio) en el norte de Italia para realizar un debate en el que se discutiría el rol de la Iglesia y la postura a tomar como institución respecto a la acumulación de la riqueza.
Está claro que a lo largo de la historia ha tenido una victoria rotunda la parte que creyó desde siempre que la Igesia debía ser rica, ¡y vaya qué riqueza!, con todos esos viejos viviendo en el estado más rico del mundo, El Vaticano, lejos de la gente y la realidad, en sus palacios que no son más que templos de ostentación. Y me muerdo la lengua (o me ato los dedos) para no hablar (o escribir) de política, donde el rol que ha tenido la Iglesia como institución ha sido sencillamente nefasto (¡Ah! y también voy a evitar tocar el tema de la pedofilia).
Bueno pero ya me fui del tema, volvamos a la peli. Decíamos que acudían a la abadía varias personas que ocupaban puestos religiosos relevantes, entre las que se encontraba William de Baskerville. Cuando nuestro protagonista arriba acompañado con su joven discípulo Adso de Melk (Christian Slater), el abad del establecimiento (algo así como la persona que "gobierna" el monasterio) le informa sobre una misteriosa muerte, y conociendo la agudeza e inteligencia de William, le requiere ayuda para develar el misterio. En medio del estupor generalizado de los monjes, suceden dos terribles crímenes más, atribuídos por la gran mayoría a una fuerza diabólica.

William de Baskerville, convertido en una especie de Sherlock Holmes, descubre que las personas muertas tienen un rasgo en común: están interesados en el mismo libro y mueren a causa de él.
Y ese libro no es un libro cualquiera, es el segundo tomo de la obra "Poética" de Aristóteles. Esta obra estaba compuesta por dos libros: el primero dedicado a la tragedia y el segundo a la comedia. Este último perdido misteriosamente desde la Edad Media. Nada se sabe de él hasta el día de hoy. El libro ausente muestra a un Aristóteles distinto al apropiado por la doctrina oficial de la Iglesia. Se torna peligroso para la Teología descubrir que el autor "mira la tierra antes que el cielo" y defiende prácticas y costumbres que para la Iglesia de aquel entonces eran señales heréticas.

Umberto Ecco dota a la trama de la novela de ribetes de thriller policial y de suspenso. El director Jean-Jacques Annaud evita las descipciones históricas y contextuales que abundan en el libro y exalta el misterio, logrando así que la película transcurra con una fluidez que evidentemente no podemos esperar en el libro.
De todas maneras, tanto la novela como la peli giran siempre en torno a un tema central: el ocultamiento de la verdad, el totalitarismo y la imposición de un único modo de pensar. La visión de que todo intento de racionalidad o todo cuestionamiento a las normas divinas constituyen herejías que deben ser penadas con asesinatos ejemplificadores.
Al fin y al cabo, el objetivo de la Iglesia siempre ha sido mantener de alguna forma un regimen, una forma de pensar, que desde la Edad Media han permitido una acumulación de riquezas que probablemente sea la mayor ostentada por institución alguna. Y esto es más grave aún en América Latina, donde la doctrina católica y sus derivadas mantienen millones de fieles sumisos ante la amenaza de la vigilancia de un Dios que carga a los creyentes un poco descarrilados con su lista de retrógrados, hipócritas y absudros pecados.

Ese aparato te invita a morir y te reduce a lo simple de nunca sufrir
Y es así: o te rebelás o te consumís cerrando los ojos, no sirve aplaudir
La hora del miedo, parece llegar y aquí no vale pensar
El señor, La Vela Puerca

Pero lo más interesante de El nombre de la rosa es que nos deja pensando, al menos a mi me sucedió eso, y llevó a que reflexione sobre tanta información histórica que nos regala El nombre de la rosa intentando relacionarla con la actualidad.
Mientras escribía este texto y buscaba info sobre la Órden de los Franciscanos, me preguntaba si en la actualidad ese grupo seguiría obrando con la austeridad y la coherencia de la época descripta en la historia. Y la verdad que no lo sé. Será que los Franciscanos siguen pensando que la iglesia debe estar al lado de los pobres y los oprimidos, integrando a los marginados, ayudando y colaborando con los que más necesitan en lugar de estar al lado de los opresores y avalar sus prácticas. Pensaba también en figuras como el padre Enrique Angelelli o el sacerdote Carlos Mugica, o en doctrinas como la Teología de la Liberación o el Movimiento de Sacerdotes para el Tercer Mundo ¿ellos tendrían algo que ver con los Franciscanos? Busqué, pero no encontré ninguna relación. ¿Se habrá desdibujado esta Órden absorbida por el "establishment" del clero?

También pensaba sobre el tema del ocultamiento y la destrucción de la información. Es claro que en la Edad Media la Iglesia conecentraba el poder absoluto sobre todas las actividades humanas, pero en particular pensé en la información, un tema de moda por estos días puesto en el tapete por la Ley de Medios Audiovisuales promulgada en Argentina. Pensaba por qué si hoy condenamos sin dudar el ocultamiento de información, la destrucción de libros, manifiestos, el asesinato de pensadores, etc., realizados por el monopolio de la Iglesia en la Edad Media y su Santa Inquisición; y es universalmente aceptado que gracias a estas conductas la Edad Media se transformó en una época oscura, chata, donde la humanidad se atascó; entonces por qué no podemos también condenar hoy día los monopolios mediáticos informativos. Por qué no aprendimos que es buena la diversidad de opiniones, que en la disidencia se construye. Por qué no sabemos que ocultar información es mentir y si lo hace un medio de comunicación, es censurar.
Falta el espiritu crítico. Faltan las posturas cuestionadoras, la irreverencia. Actitudes que nos hicieron avanzar como humanidad, como sociedad. Su carencia no hace más que delatar la realidad de un mundo cada vez más desigual y frívolo, con nuestra asquerosa condescendencia.

Trailer de El nombre de la rosa (en inglés)


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